Note d’intention de mise en scène : Texte bref (1-2 pages) rédigé par le/la metteur.se en scène avant la création, qui explicite l’intention de création, la genèse du projet, les choix esthétiques et politiques, ainsi que la vision du texte. Elle sert de guide pour orienter la réception du spectacle par le spectateur.
Metteur.se en scène : Personne responsable de la conception artistique du spectacle, qui rédige la note d’intention pour définir ses partis pris et sa vision du projet.
Partis pris esthétiques : Choix artistiques et esthétiques assumés par le/la metteur.se en scène, tels que la mise en scène naturaliste, cinématographique, ou autres, qui orientent la création et la scénographie.
Vision du texte : La manière dont le/la metteur.se en scène perçoit et interprète le texte, en intégrant ses choix esthétiques, politiques, et artistiques.
Enjeux politiques dans la mise en scène : Intentions ou positions politiques assumées par le/la metteur.se en scène, pouvant influencer la réécriture, la distribution, la scénographie ou la direction d’acteur.
Orientation du regard du spectateur : La façon dont la mise en scène guide l’attention et la perception du spectateur, notamment par la scénographie, les choix esthétiques ou l’utilisation d’anachronismes.
La note d’intention de mise en scène est un texte court, rédigé avant la création, qui indique l’intention de création sans décrire ce qui a déjà été réalisé. Elle précise la genèse du projet, notamment pourquoi le/la metteur.se en scène souhaite monter cette pièce, avec quelle équipe et quels comédien.ne.s, en expliquant ses choix. Elle expose également les partis pris esthétiques, comme une mise en scène naturaliste ou cinématographique, ainsi que les enjeux politiques, par exemple une lecture féministe ou autre. La note peut inclure des citations ou une iconographie pour illustrer la vision du metteur.se en scène. Elle sert à préparer le spectateur à recevoir la scénographie, les costumes, et les choix artistiques, y compris les anachronismes volontaires, en orientant son regard et sa perception du spectacle.
La note d’intention de mise en scène sert de guide conceptuel et politique, orientant la création et la réception du spectacle en précisant la vision, les choix esthétiques et les enjeux politiques du/de la metteur.se en scène.
Présentation de la pièce et de l’auteur/l’auteurice : La pièce choisie est « Comme il vous plaira ». L’auteur n’est pas explicitement nommé dans le contenu source, mais la note se concentre sur cette œuvre spécifique, en évoquant sa mise en scène et ses thèmes.
Présentation détaillée du parti pris de mise en scène : Le parti pris consiste à privilégier une narration resserrée en coupant certains passages, en modifiant l’ordre des scènes, et en utilisant le son pour accentuer la violence et la dimension théâtrale. L’objectif est de faire ressortir des moments d’exception et d’intensifier la dimension dramatique.
Présentation des choix scéniques : Les choix incluent un montage précis des scènes, la mise en valeur de moments clés (joutes, monologue), et une utilisation innovante du son pour créer l’espace scénique. La scène de chasse devient un prologue, renforçant la violence latente.
Montage des scènes : La pièce est montée en se concentrant sur la fin du 2e acte et le début du 3e, avec un ordre modifié pour une narration plus fluide et plus intense. Certaines scènes, comme celle de la chasse, sont repositionnées pour renforcer la cohérence dramatique.
Narration resserrée : La narration est rendue plus concise en coupant certains passages, en réorganisant l’ordre des scènes, afin de mieux faire ressortir les thèmes et moments clés, notamment la violence et l’émancipation.
Mise en valeur de moments clés : Les moments d’exception, tels que les joutes amoureuses et le monologue de Jacques le Mélancolique, sont accentués pour souligner leur importance dramatique et thématique, notamment la violence latente dans la texte.
La note doit présenter clairement la pièce choisie et son auteurice, en insistant sur la mise en scène adoptée. Elle explique que le montage des scènes a été travaillé pour rendre la narration plus resserrée, en modifiant l’ordre des scènes, notamment en utilisant la scène de chasse comme prologue pour souligner la violence présente dans la pièce. La mise en valeur de moments clés, comme les joutes ou le monologue, est essentielle pour souligner leur importance dramatique. La note évoque également l’utilisation du son comme un acteur, pour renforcer la dimension théâtrale et la perception du temps, en jouant sur la voix, le micro et la spatialisation sonore. L’objectif est de faire passer la violence et l’émotion par des choix scéniques innovants, tout en restant fidèle à l’esprit de la pièce.
La note doit clairement expliciter que la mise en scène vise à rendre la narration plus dynamique et intense, en utilisant un montage réfléchi et des choix scéniques innovants, notamment par le biais du son, pour accentuer la violence et la dimension émotionnelle de la pièce.
Mise en scène naturaliste : Approche qui cherche à représenter la réalité de façon fidèle, en privilégiant le réalisme dans la scénographie, les costumes, et l’interprétation. Elle vise à faire écho à notre monde personnel en créant un espace scénique crédible et immersif.
Esthétique cinématographique : Style artistique inspiré du cinéma, caractérisé par des choix esthétiques tels que la gestion de la lumière, le cadrage, ou l’utilisation du son pour renforcer l’atmosphère et l’émotion. Le son peut devenir un acteur à part entière, modifiant la perception du spectateur.
Illustration au théâtre : Terme peu usité, mais pouvant désigner l’utilisation d’éléments visuels ou symboliques pour enrichir la mise en scène. Elle peut aussi faire référence à la représentation visuelle d’un thème ou d’une idée, comme la forêt ou les animaux empaillés évoqués dans la scénographie.
Temps de la fiction vs temps de la représentation : Enjeux esthétiques liés à la gestion du temps narratif et scénique. La fiction peut se dérouler sur une période différente de celle de la représentation, permettant de jouer avec la perception du spectateur et la construction dramatique.
Voix off : Technique consistant à faire entendre une voix en dehors de l’action visible, souvent pour donner un point de vue intérieur ou pour créer un espace sonore spécifique. Elle peut renforcer l’immersion ou servir d’outil narratif.
Micro comme masque théâtral : Utilisation du micro non seulement comme outil technique, mais comme un élément symbolique ou esthétique. Détourné, il peut agir comme un masque, modifiant la perception de l’espace sonore et visuel, et jouant sur la relation entre intérieur et extérieur, réalité et représentation.
Les partis pris esthétiques définissent le style et l’approche artistique du spectacle. Par exemple, la mise en scène naturaliste cherche à créer un espace crédible et proche de notre vécu, tandis que l’esthétique cinématographique utilise des choix visuels et sonores pour renforcer l’atmosphère. Le son peut être un choix esthétique majeur, notamment lorsqu’il devient un acteur à part entière, comme le montre l’utilisation du micro. Ce dernier peut aussi être détourné pour modifier la perception esthétique, en étant considéré comme un masque plutôt qu’un simple outil technique, ce qui permet de jouer avec la dimension symbolique et la perception du spectateur. La gestion du temps entre fiction et représentation est un enjeu important, permettant de jouer sur la temporalité pour enrichir la narration. Enfin, l’illustration, bien que peu usitée au théâtre, peut être réinterprétée pour apporter un supplément de sens ou d’atmosphère, comme la présence d’éléments visuels symboliques (forêt, animaux empaillés).
Les choix esthétiques et artistiques, tels que la mise en scène naturaliste, l’utilisation du son ou du micro comme masque, façonnent la perception du spectacle en jouant sur les codes et techniques, et influencent la façon dont le spectateur entre dans l’histoire et la compréhension de l’œuvre.
Note d’intention scénographique : La note qui explicite les partis pris du scénographe, sa lecture de l’espace, ses inspirations, et la manière dont il conçoit l’univers poétique et émotionnel du spectacle.
Architecture de l’espace scénique : La manière dont l’espace est structuré pour créer des sensations, des perceptions et des effets spécifiques, tels que la profondeur, la désorientation ou la voie sans issue.
Dynamique de l’espace : La capacité de l’espace scénique à évoluer ou à se transformer pour évoquer différents lieux ou temporalités, en utilisant des effets visuels ou spatiaux.
Minimalisme scénographique : La réduction du décor à ses éléments essentiels, souvent porteurs de symbolique, tels que murs, tables ou chaises, pour concentrer l’attention sur l’émotion ou la symbolique.
Projection vidéo sur surfaces non planes : L’utilisation de projections vidéo pour matérialiser émotions ou souvenirs, en exploitant des surfaces courbes ou irrégulières, sans illustration directe.
Espace intime exposé au public : Un espace de représentation où le public peut voir de près la scène ou les acteurs, renforçant l’effet d’intimité et d’immersion.
La note scénographique doit expliciter les partis pris esthétiques, les inspirations, la lecture de l’œuvre, et la conception de l’espace. Elle précise si le lieu projeté évoque un imaginaire particulier, une époque ou des couleurs spécifiques, afin de créer un environnement poétique et versatile. Cet environnement doit permettre de s’évader du lieu réel, comme un parloir, pour voyager à travers les états d’âme des personnages et leur perception de la réalité.
L’architecture de l’espace scénique doit créer des sensations précises : par exemple, une voie sans issue ou une profondeur qui désoriente le spectateur. Elle doit aussi délimiter clairement le lieu, ici un parloir, en utilisant un décor minimaliste mais symbolique (ex : murs blancs, table, chaises). La configuration du décor, notamment un sol carré et une table centrale tournée vers le public, permet de jouer avec la dynamique, la perspective et la désorientation, tout en évoquant la lutte ou l’état psychologique du personnage principal. La scénographie doit aussi permettre de basculer entre différents lieux ou temporalités via des effets visuels et spatiaux, comme la transition entre le parloir et la maison d’enfance, ou entre réalité et rêve.
Le décor doit rester neutre, blanc, avec des textures mates ou métalliques, et des matériaux souples pour renforcer la symbolique et la versatilité de l’espace.
La scénographie fonctionne comme un langage spatial et visuel, construisant un univers poétique et émotionnel qui guide la perception du spectateur et enrichit la lecture de l’œuvre. Elle privilégie la simplicité symbolique tout en exploitant la dynamique de l’espace pour renforcer l’impact émotionnel.
Symbolisme dans le décor : Utilisation d’éléments visuels ou matériels pour représenter des idées, des thèmes ou des émotions, renforçant la narration sans recourir à des mots. (AUTEUR inconnu, source)
Textures et matériaux : Choix de surfaces et de matériaux (métalliques, tissus, plexiglas) qui participent à l’ambiance, à l’atmosphère et au ressenti émotionnel du spectateur. (AUTEUR inconnu, source)
Boîte à lumière : Dispositif d’éclairage modulable, capable de varier entre tons chauds et froids, permettant d’éclairer les visages ou l’espace, et d’évoquer des états d’âme ou des ambiances spécifiques. (AUTEUR inconnu, source)
Contrastes d’éclairage : Utilisation de différences marquées entre lumière et obscurité, couleurs chaudes et froides, pour souligner des tensions ou des dualités dans la scène ou le décor. (AUTEUR inconnu, source)
Motifs graphiques : Éléments visuels projetés ou intégrés dans le décor, tels que textures ou dessins, qui évoquent des souvenirs, des émotions ou des environnements, souvent de manière abstraite. (AUTEUR inconnu, source)
Évocation poétique : Création d’un espace qui, par ses éléments symboliques et esthétiques, stimule l’imaginaire du spectateur et confère au décor une force poétique, évitant l’abstraction pure tout en restant évocateur. (AUTEUR inconnu, source)
Le décor utilise des éléments symboliques pour renforcer les thèmes abordés, comme la forêt ou des animaux empaillés, afin d’ancrer la narration dans un univers chargé de sens. Les textures et matériaux choisis participent à l’atmosphère : des surfaces mates et métalliques, associées à des tissus souples, créent un contraste visuel et tactile, renforçant l’ambiance. Le sol en plexiglas, dur et réfléchissant, agit comme un miroir, accentuant la dimension poétique et onirique de l’espace.
Les textures et motifs projetés sur les murs jouent un rôle clé : ils matérialisent les émotions, les états d’âme ou les souvenirs des personnages. Ces projections peuvent évoquer des espaces domestiques ou des souvenirs visuels, comme des albums photo ou des images détournées, sans illustrer directement leurs pensées. La projection sur des surfaces non planes introduit des effets de distorsion, renforçant la dimension ineffable et fluide des souvenirs.
Le dispositif d’éclairage, notamment la boîte à lumière, varie entre tons chauds et froids, pour souligner la dualité ou l’évolution émotionnelle. Les contrastes d’éclairage, avec des zones d’ombre portées et des jeux de lumière, créent une tension visuelle et symbolique, renforçant la dimension poétique du décor. La mise en scène joue sur l’équilibre entre concret et poétique, évitant l’abstraction pure tout en stimulant l’imaginaire.
Le décor, par ses éléments symboliques, textures et jeux de lumière, enrichit la narration en créant une atmosphère émotionnelle et thématique, où le concret et le poétique se mêlent pour évoquer souvenirs, émotions et rêves.
Son comme acteur : Le son n’est pas simplement un support technique mais un élément actif de la mise en scène, participant à la dramaturgie et à la perception de l’espace et des personnages.
Post-synchro : Technique de synchronisation sonore où les éléments sonores sont enregistrés ou ajoutés après la prise de vue ou la représentation, permettant d’enrichir ou de modifier la spatialisation et la texture sonore.
Micro détourné : Utilisation du micro comme un masque théâtral, modifiant la relation entre le personnage et le spectateur, et permettant de jouer avec la perception et l’intimité sonore.
Superpositions sonores : Technique consistant à superposer plusieurs éléments sonores pour créer des effets esthétiques ou narratifs, renforçant la densité ou la complexité de la scène sonore.
Temporalité sonore : La manière dont le son joue avec la perception du temps, permettant de jouer sur la durée, la simultanéité ou la déformation temporelle entre fiction et représentation.
Le son est utilisé comme un élément actif de la mise en scène, pas simplement comme un support technique. Il participe à la dramaturgie en créant une ambiance, en soulignant des espaces ou des états intérieurs. La voix off et les passages au micro permettent d’entendre des scènes secondaires ou intérieures, apportant une dimension supplémentaire à la narration. Le micro peut être détourné en masque théâtral, modifiant la relation au personnage et au spectateur, et jouant sur l’intimité ou la distance. Les superpositions sonores permettent de créer des effets esthétiques et narratifs en superposant plusieurs couches sonores, enrichissant la texture de la scène. Enfin, le travail sonore permet de jouer sur la temporalité, en modulant la perception du temps entre la fiction et la représentation, créant ainsi une expérience sensible et poétique.
Le son et les micros sont des outils créatifs essentiels qui, en étant activement intégrés à la mise en scène, enrichissent la dramaturgie et l’expérience scénique en jouant sur la relation au spectateur, la texture sonore et la perception du temps.
Références à Shakespeare
Références à l’œuvre de William Shakespeare, dramaturge anglais du XVIe siècle, dont les pièces et personnages sont souvent évoqués pour leur richesse symbolique et leur portée universelle.
Pétrarque et le Canzoniere
Pétrarque (1304-1374), poète italien, auteur du Canzoniere, recueil de poèmes lyriques centrés sur l’amour, la douleur et la quête de l’idéal. Son œuvre est emblématique de la poésie de la Renaissance.
Poésie platonique
Courant poétique inspiré par la philosophie de Platon, mettant en avant une vision idéalisée de l’amour, souvent symbolisée par des images telles que la blessure de l’œil, qui évoque la perception de la beauté et la souffrance liée à l’amour.
Symbolique de la blessure de l’amour
Motif symbolique représentant la douleur ou la blessure physique ou morale liée à l’amour, souvent utilisé pour exprimer la profondeur de l’émotion amoureuse et ses effets sur l’individu.
Mouvement littéraire de la Renaissance
Période culturelle et artistique du XVe-XVIe siècle marquée par un renouveau des idées, de l’art et de la littérature, avec un intérêt renouvelé pour l’humanisme, la mythologie antique et la valorisation de la poésie et du théâtre.
Répertoire musical anglais
Ensemble des œuvres musicales issues du Royaume-Uni, notamment du XVIIe siècle jusqu’à la pop contemporaine, qui sert d’inspiration pour la sélection musicale du spectacle, mêlant tradition et modernité.
La mise en scène s’appuie sur des références littéraires majeures, telles que Shakespeare et Pétrarque, pour ancrer le spectacle dans une tradition culturelle riche. Ces références nourrissent la lecture du texte en apportant une profondeur symbolique et historique. La poésie platonique, intégrée à la lecture, utilise des symboles comme la blessure de l’œil pour évoquer la nature de l’amour, mêlant idéal et souffrance. Le spectacle dialogue avec le mouvement littéraire de la Renaissance, ce qui enrichit sa portée thématique en inscrivant la création dans une époque de renouveau culturel. La sélection musicale, inspirée du répertoire anglais du XVIIe siècle à la pop contemporaine, crée un pont entre différentes époques, renforçant la dimension esthétique et symbolique du spectacle. Ces références, à la fois littéraires et musicales, contribuent à donner une profondeur thématique et esthétique à l’ensemble de la création.
Les références littéraires et esthétiques, telles que Shakespeare, Pétrarque, la poésie platonique et le répertoire musical anglais, ancrent la création dans une tradition culturelle riche, permettant un dialogue entre texte, symboles et musique pour enrichir la portée thématique et esthétique du spectacle.
| Thème | Notions clés / Concepts | Approche / Style | Auteur ou référence |
|---|---|---|---|
| Note d’intention de mise en scène | Texte bref expliquant l’intention, la genèse, les choix esthétiques et politiques | Guide pour orienter la création et la réception | - |
| Contenu et objectifs de la note | Montage, choix scéniques, utilisation du son, moments clés accentués | Mise en valeur de la violence et de l’émotion | - |
| Partis pris esthétiques et artistiques | Mise en scène naturaliste, esthétique cinématographique, voix off, micro comme masque | Style réaliste ou inspiré du cinéma, symbolique sonore | - |
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1. Quel est le rôle principal de la note d’intention de mise en scène ?
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Note d’intention — définition ?
Texte bref expliquant la vision du metteur en scène.
Contenu de la note — objectif ?
Présenter la conception artistique et les choix esthétiques.
Partis pris esthétiques — rôle ?
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