Fiche de révision : Invisibilisation et émancipation des femmes artistes

📋 Plan du Cours

1. Femmes et accès aux études artistiques
2. Visibiliser les artistes femmes dans l’histoire de l’art
3. Rôle des musées et expositions dédiées
4. Internet et réseaux sociaux contre l’invisibilisation
5. Institutions et formation : mécanismes d’exclusion
6. Hiérarchie des genres et Académie des Beaux-Arts
7. Émergence de la performance et présence du corps
8. Corps féminin, censure et choc de la performance
9. Performance comme espace de négociation et médiation
10. Genre, féminisme et construction politique
11. Art féministe et exposition WACK! Art and the Feminist Revolution
12. Feminist Art Program et Judy Chicago

📖 1. Femmes et accès aux études artistiques

🔑 Notions clés & Définitions

• Académie royale de peinture et de sculpture : Institution qui encadre la formation artistique et impose des critères de “bon goût” en France, avec une hiérarchie des genres.
• Salon annuel : Exposition annuelle liée à l’Académie royale, servant de vitrine et de sélection pour la reconnaissance des artistes.
• École des Beaux-Arts de Paris : Établissement prestigieux qui conditionne l’accès à la formation par des concours et des récompenses, mais reste fermé aux femmes.
• Académie Julian : École privée connue pour accueillir des femmes, puis organiser une séparation des ateliers pour rassurer les familles.
• Académie Vitti : Académie privée créée en 1889, proposant des cours aux femmes mais avec une logique d’accès payant et socialement filtrée.

📝 Points essentiels

• En France, l’Académie royale (1648) structure la formation et contribue à une hiérarchie des genres, ce qui influence directement les carrières possibles des femmes.
• Le Salon (1725) fonctionne comme exposition annuelle de l’Académie et devient un levier de visibilité et de sélection pour l’entrée dans les formations d’élite.
• La dissolution de l’Académie royale (1793) ne supprime pas les inégalités : sur sa période, seulement 15 femmes sont admises contre 500 hommes.
• L’École des Beaux-Arts (1817) reste un marqueur de prestige : l’accès exige d’être dans les 15 premiers au concours ou d’obtenir une médaille au Salon, conditions non ouvertes aux femmes.
• Les femmes se forment surtout via ateliers familiaux, écoles religieuses ou écoles privées, car l’accès à la formation publique est bloqué.
• Les écoles privées comme l’Académie Julian et l’Académie Vitti (1889) sont payantes, donc l’accès dépend fortement des moyens financiers des familles.

💡 Astuce mémo

Concours/Sallon = porte d’élite, mais Femmes exclues : “prestige fermé, alternatives payantes”.

📖 2. Visibiliser les artistes femmes dans l’histoire de l’art

🔑 Notions clés & Définitions

• Salon de 1878 : Événement artistique qui défend l’idée d’ouvrir l’accès des femmes à tous les métiers, pas seulement à l’art traditionnel.
• Prix de Rome : Concours d’accès au prestige académique permettant, pour les femmes, d’obtenir un stage à la Villa Médicis et une reconnaissance publique.
• Villa Médicis : Lieu de résidence-stages lié au Prix de Rome, dont l’accès des lauréates femmes a suscité des débats sur les mœurs.
• Académie des Beaux-Arts : Institution de prestige dont l’ouverture progressive aux femmes contribue à leur visibilité, mais dont le recul au XXe siècle limite ensuite leur reconnaissance.
• Association des femmes artistes modernes FAM : Association fondée au début des années 1930 pour exposer des artistes femmes inscrites dans la modernité et l’actualité artistique.

📝 Points essentiels

• Sans jurys, des expositions peuvent accueillir des professionnelles et des amateures, françaises et étrangères, avec l’idée d’un accès collectif au métier.
• En 1897, les femmes sont admises dans les cours théoriques mais pas encore dans les ateliers, avec des réactions hostiles (intimidations, moqueries).
• En 1900, l’accès aux ateliers se fait dans des classes séparées, notamment avec Ferdinand Humbert (peinture) et Laurent Marqueste (sculpture).
• En 1903, les femmes peuvent concourir au Prix de Rome : 24 lauréates sur 256 au total, et Lucienne Heuvelmans est la première lauréate pour la sculpture.
• En 1904, un syndicat des femmes artistes se crée car elles se voient refuser l’adhésion au syndicat des peintres et sculpteurs.
• En 1923, les ateliers deviennent accessibles aux femmes célibataires, puis en 1924 à toutes les femmes avec accès au modèle vivant masculin.

💡 Astuce mémo

1897 théorie → 1900 ateliers séparés → 1903 Prix de Rome → 1904 syndicat → 1923 célibataires → 1924 toutes.

📖 3. Rôle des musées et expositions dédiées

🔑 Notions clés & Définitions

• Arts appliqués : Ensemble de pratiques artistiques liées à l’usage et à la production, souvent associées aux femmes dans les discours et institutions.
• Art féminin : Catégorie critique et historique qui regroupe des œuvres attribuées aux femmes, présentée comme un ensemble cohérent avec ses thèmes et son histoire.
• Exposition rétrospective : Manifestation muséale qui reconstruit le passé d’un domaine artistique en proposant une chronologie et des catégories d’œuvres.
• Réappropriation : Démarche par laquelle des artistes femmes utilisent les discours existants pour exposer et soutenir leur carrière malgré leurs effets réducteurs.
• Innovation stylistique : Moteur central de l’histoire de l’art moderne, où la valeur des œuvres est souvent liée à la nouveauté des formes.

📝 Points essentiels

• Les expositions et catalogues construisent l’idée d’un art féminin en proposant une histoire, des catégories et une chronologie des œuvres attribuées aux femmes.
• Les discours produits autour de ces expositions peuvent sembler valorisants pour les artistes femmes tout en véhiculant des clichés sur des différences hommes/femmes.
• La catégorisation sert aussi à classer les femmes entre elles et à juger leurs œuvres selon des cases plutôt que selon des critères ouverts.
• Une partie des artistes femmes se réapproprie ces discours pour gagner en visibilité et soutenir sa carrière, mais cela peut aussi les exclure de la marche de l’histoire de l’art.
• Comme l’histoire de l’art se construit sur l’innovation stylistique, les artistes femmes non conformes aux attentes de l’« art féminin » risquent d’être invisibilisées et tenues à l’écart de la modernité.
• Les expositions du tournant du siècle et du XXe siècle prolongent des stéréotypes hérités du XIXe siècle, ce qui oblige certaines artistes à contrer les attentes liées à leur genre.

💡 Astuce mémo

Expos = Histoire + Cases : plus on classe, plus on valorise… et plus on risque d’exclure.

📖 4. Internet et réseaux sociaux contre l’invisibilisation

🔑 Notions clés & Définitions

• Femme moderne : La femme moderne est une image culturelle associée à l’émancipation, à l’apparence et à une liberté souvent mise en scène par les médias et la publicité.
• Nouvelle objectivité : La nouvelle objectivité est un courant qui privilégie un regard froid et peu complaisant sur la société, en contrepoint des visions idéalisées.
• Conservatisme d’après-guerre : Le conservatisme d’après-guerre désigne la volonté de restaurer des normes morales et sociales, notamment autour du modèle femme mariée et mère.
• Femme nouvelle : La femme nouvelle est la figure des années 1920, visible dans les milieux d’avant-garde et associée à une indépendance professionnelle et sociale.
• Nu comme affirmation : Le nu comme affirmation est l’usage du corps nu par des artistes femmes pour gagner en reconnaissance, dépasser l’académisme et proposer des regards plus intimes.

📝 Points essentiels

• La publicité et les égéries diffusent une image de liberté centrée sur l’apparence, liée à la production de masse et à la consommation.
• L’idéal de la femme moderne est présenté comme difficile à atteindre et donc potentiellement trompeur ou subjectif.
• Otto Dix et Christian Schad nuancent l’idéal en montrant des femmes sans idéalisation, avec un malaise ou une distance dans la représentation.
• Après la Première Guerre mondiale, l’émancipation féminine suscite des réactions conservatrices, avec la peur de perdre des repères et du pouvoir masculin.
• La politique nataliste et la défense du modèle femme mariée et mère s’inscrivent dans la recherche de paix et de reconstruction sociale.
• Les portraits et l’autoportrait deviennent des moyens de visibilité pour les artistes femmes, en lien avec l’évolution des goûts et des formats demandés par des commanditaires bourgeois.

💡 Astuce mémo

Image = vitrine (publicité) ; contre-image = constat froid (nouvelle objectivité) ; retour à l’ordre = conservatisme d’après-guerre.

📖 5. Institutions et formation : mécanismes d’exclusion

🔑 Notions clés & Définitions

• Futurisme : Courant d’avant-garde qui, dans le récit du cours, supprime la place des femmes dans certains styles.
• Cubisme : Mouvement d’avant-garde majeur dont les innovations de Braque et Picasso sont reprises et modifiées, avec des effets d’exclusion.
• Néo impressionnisme : Courant présenté comme essentiellement masculin, mais comportant aussi des artistes femmes reconnues dans le cours.
• Dada : Mouvement d’avant-garde dont les artistes racontent leur histoire, révélant une présence féminine souvent minorée dans les discours.
• Cabaret Voltaire : Lieu fondateur de Dada où la cofondatrice Emmy Hennings apparaît comme seule membre féminine de la troupe.

📝 Points essentiels

• Le cours décrit une période d’hybridation artistique où les frontières entre arts s’effacent, ouvrant parfois l’accès à de nouveaux profils dont des femmes.
• La question « femmes dans tous les mouvements d’avant-garde ? » reçoit une réponse nuancée : oui dans certains, non dans d’autres comme le futurisme.
• Le cubisme est présenté comme un mouvement d’ampleur dont l’expansion des œuvres de Braque et Picasso finit par exclure d’autres artistes, y compris des femmes.
• Des femmes sont citées comme participantes au cubisme sans être considérées comme de simples suiveuses : Maria Blanchard, Marie Vassilieff et Alice Bailly.
• Le néo impressionnisme est présenté comme majoritairement masculin, mais le cours cite Lucie Cousturier et Jeanne Selmersheim-Desgranges.
• Jeanne Selmersheim-Desgranges est décrite comme minimisée car elle est associée à Signac (élève et compagne), ce qui réduit la visibilité de son travail.

💡 Astuce mémo

Futurisme = femmes dehors ; Cubisme = succès qui exclut ; Néo-impressionnisme = masculin par défaut ; Dada = femmes présentes mais discours masculins ; Cabaret Voltaire = Emmy seule.

📖 6. Hiérarchie des genres et Académie des Beaux-Arts

🔑 Notions clés & Définitions

• Hiérarchie des genres : La hiérarchie des genres désigne la répartition inégale des rôles et de la reconnaissance entre femmes et hommes dans les institutions et les récits artistiques.
• Académie des Beaux-Arts : L’Académie des Beaux-Arts est une institution de formation et de légitimation qui structure l’accès au statut d’artiste et aux apprentissages.
• Récit de l’histoire de l’art : Le récit de l’histoire de l’art est la manière dont on sélectionne, ordonne et explique les artistes, ce qui peut produire des invisibilisations.
• Études monographiques : Les études monographiques sont des travaux centrés sur un artiste, qui révèlent des trajectoires souvent non linéaires et multi-médias.
• Pionnières : Les pionnières sont des artistes présentées comme premières à innover, malgré des contraintes systémiques dans la société et les milieux artistiques.

📝 Points essentiels

• La lecture formaliste des avant-gardes peut donner l’impression que les artistes sont coupés du contexte socio-politique, alors que l’art y reste lié.
• Les réseaux d’amitiés et de rivalités ont souvent été décrits à partir des hommes, ce qui renforce l’invisibilisation des femmes dans l’histoire de l’art.
• L’invisibilisation ne signifie pas forcément un échec d’émancipation artistique, mais peut venir du récit construit par l’histoire de l’art.
• Les études monographiques mettent en évidence des parcours transversaux (plusieurs styles ou médiums), mais elles ne conduisent pas toujours à relire de façon moins tranchée les trajectoires des hommes.
• La pluridisciplinarité des artistes femmes sert d’outil d’émancipation, car elle permet de naviguer entre pratiques et cadres plutôt que de se limiter à un seul modèle.
• Les pionnières sont des artistes capables d’initier des innovations (sujets, matériaux, techniques) malgré les barrières institutionnelles et de marché.

💡 Astuce mémo

Formaliste = hors-sol ; monographie = trajectoire en zigzag ; pionnière = première malgré les barrières.

📖 7. Émergence de la performance et présence du corps

🔑 Notions clés & Définitions

• Performance : La performance désigne une pratique artistique où l’action et le geste de l’artiste deviennent centraux, au point de déplacer l’œuvre vers le vécu et le corps.
• Présence du corps : La présence du corps correspond à l’idée que le corps de l’artiste n’est plus seulement représenté, mais devient un matériau, un lieu d’expérience et parfois un enjeu théorique.
• Art corporel : L’art corporel regroupe des démarches où le corps est au cœur de la création, avec des formes qui peuvent relever du geste, de la matière ou de l’expérience.
• Land art : Le land art est un courant où l’œuvre s’inscrit dans le paysage, et où l’espace devient un support actif de la création.
• Émergence de la performance : L’émergence de la performance renvoie au moment où des pratiques centrées sur l’action et le corps prennent de l’importance dans l’histoire de l’art.

📝 Points essentiels

• Le développement de la performance est présenté comme une forme d’avant-garde, au même titre que d’autres mouvements artistiques.
• La présence du corps peut être pensée comme un médium en soi, au même titre que d’autres supports (ex. ordinateur) dans des expositions thématiques.
• Le qualificatif d’avant-garde est décrit comme mouvant et dépendant du contexte historique, car être « à l’avant » existe à plusieurs périodes.
• Le terme « pionnière » est relié à l’idée d’agir en premier, mais il doit être contextualisé : on doit préciser de quelle période et de quel type de pratique on parle.
• Les critiques d’expositions « pionnières » soulignent un manque de contextualisation, une visibilité jugée superficielle et une essentialisation des artistes femmes.
• Le débat « qui a fait en premier » est jugé insuffisant sans travail de contextualisation, car l’histoire se joue aussi dans les réseaux, les héritages et les conditions de production.

💡 Astuce mémo

Performance = action + corps (le geste devient l’œuvre).

📖 8. Corps féminin, censure et choc de la performance

🔑 Notions clés & Définitions

• Janet Sobel : Artiste peintre autodidacte, souvent dite « primitive » car sans formation académique, connue pour des œuvres comme Milky Way.
• Dripping all over : Ensemble de techniques de peinture où la surface est couverte par des coulures et des gestes diffus, associées à l’esthétique de l’avant-garde américaine.
• Kodak Girl : Figure publicitaire liée aux appareils Kodak, incarnant l’idée d’une femme voyageuse qui capture le monde avec son appareil.
• Photojournalisme : Pratique photographique centrée sur le reportage et le voyage, visant à publier des images liées à l’actualité et aux conflits.
• Pictorialisme : Courant photographique qui cherche à rapprocher la photo de la peinture par le travail des textures, des effets et de la mise en scène.

📝 Points essentiels

• Janet Sobel est présentée comme pionnière du dripping et de l’all over, et sa visibilité est reliée à des expositions où elle participe.
• La comparaison avec Jackson Pollock sert à discuter l’origine des techniques (invention ou inspiration) sans retirer la valeur de l’œuvre de Pollock.
• La généalogie des influences est utilisée comme critère d’évaluation de la valeur d’un artiste, surtout quand elle se rattache aux logiques de marché.
• La photographie s’ouvre plus facilement aux femmes car elle demande moins de tradition institutionnelle et moins de lourde logistique que la peinture.
• L’essor amateur est renforcé par l’accessibilité technique, notamment avec le lancement de Kodak en 1888, qui simplifie la prise de vue.
• La « Kodak Girl » s’inscrit dans une cible bourgeoise et dans une logique d’utilité sociale pour les femmes, portée par une campagne qui dure environ 50 ans en évoluant avec les tendances.

💡 Astuce mémo

Sobel → all over/dripping ; Kodak → bouton facile + voyage ; Pictorialisme → photo comme peinture (textures).

📖 9. Performance comme espace de négociation et médiation

🔑 Notions clés & Définitions

• Pictorialisme : Courant photographique qui valorise l’image comme œuvre artistique, en jouant sur des effets visuels plutôt que sur la simple reproduction du réel.
• Nouvelle vision : Orientation photographique qui cherche une émancipation de la figuration en privilégiant netteté, contrastes et une vision moins subjective.
• Abstraction excentrique : Démarche artistique associée à l’exposition de Lucy Lippard, qui privilégie des matériaux et formes non conventionnels et une expérience sensorielle.
• Matérialité biomorphique : Caractéristique d’œuvres où les formes abstraites évoquent le vivant et où le matériau imparfait guide l’assemblage et le sens.
• Corps-objet : Approche où le corps devient matière et forme, présenté comme objet à mouler, transformer ou mettre en scène plutôt que comme récit.

📝 Points essentiels

• Le pictorialisme est lié à des effets comme le flou et le contraste, et il sert de cadre de reconnaissance entre femmes photographes (ex. Käsebier et Cunningham).
• Gertrude Käsebier publie en 1913 un guide destiné aux femmes, et Imogen Cunningham découvre le pictorialisme auprès de Käsebier avant d’ouvrir son studio en 1970.
• La « nouvelle vision » s’oppose à la figuration pictorialiste en recherchant une photographie plus directe du monde, avec netteté et contrastes plutôt qu’une subjectivité peinte.
• Florence Henri met en avant des cadrages et points de vue singuliers dans des vues de rue, en soulignant des lignes et structures visuelles.
• Germaine Krull travaille des paysages industriels et obtient une exposition au Salon d’automne grâce au soutien de Sonia et Robert Delaunay.
• Dans le surréalisme, Dora Maar privilégie le photomontage pour rendre la scène étrange par combinaison d’objets et cadrage (ex. Sans titre, 1935).

💡 Astuce mémo

Pictorialisme = flou artistique ; Nouvelle vision = netteté du réel ; Excentrique = matériaux bizarres ; Corps-objet = corps-matière.

📖 10. Genre, féminisme et construction politique

🔑 Notions clés & Définitions

• Performance : La performance est une forme d’art vivant fondée sur l’action, où le corps et des disciplines variées peuvent être mobilisés pour produire une expérience directe.
• Corps-objet : Le corps-objet désigne le corps exposé comme matériau exploitable, soumis au regard et intégré à la mise en scène plutôt qu’à la simple représentation.
• Male gaze : Le male gaze est le regard porté par les hommes sur les corps féminins, souvent structurant la manière dont ces corps sont montrés et jugés.
• Happening : Le happening est un événement proche du concert et de l’event, où l’artiste est physiquement engagé et où l’œuvre se déploie dans l’espace vécu.
• Féminisme : Le féminisme est un mouvement social et idéologique visant l’émancipation des femmes et l’égalité, en s’attaquant notamment aux libertés et au contrôle du corps.

📝 Points essentiels

• La performance (années 1950-70) est une notion ambivalente : elle peut désigner l’action « performer » autant qu’un art vivant, sans définition unique stable.
• La performance se caractérise par l’ouverture des disciplines mobilisées et par une relation directe au public, pouvant aller de la provocation à la contestation.
• Le corps devient un matériau malléable : il peut être sujet, support ou réceptacle de l’action, et sa présentation engage des traditions et des normes.
• Dans les pratiques féminines, l’exposition du corps fonctionne souvent comme réappropriation et comme dénonciation, avec une intensité accrue par le caractère direct de l’action.
• Les pratiques associées incluent happenings, concerts, art-corporel, body-art et performance, avec des degrés variables d’improvisation, de préparation et de thématisation.
• Le basculement historique se situe entre modernité et postmodernité : la rupture contre l’élitisme et l’engagement des artistes structurent l’émergence de ces formes d’action.

💡 Astuce mémo

Performance = corps + public + disciplines multiples (action vivante, pas définition fixe).

📖 11. Art féministe et exposition WACK! Art and the Feminist Revolution

🔑 Notions clés & Définitions

• Genre comme construction politique : Le genre est présenté comme une construction sociale et politique, donc comme quelque chose qui s’apprend et s’exécute plutôt que comme une essence naturelle.
• Performance féministe : La performance est utilisée comme moyen de donner forme au corps et de matérialiser des idées féministes, en soutenant les luttes des années 1960-1970.
• Travestissement : Le travestissement est une pratique de performance qui permet de brouiller les catégories de genre et de tester ce qui arrive quand on dépasse sa “case”.
• Cut Piece : Cut Piece est une performance de Yoko Ono (21 mars 1965) où l’artiste invite le public à découper ses vêtements, transformant la relation spectateur-œuvre.
• Rhythm 0 : Rhythm 0 est une performance de Marina Abramović (1974) où l’artiste reste passive pendant 6 heures face à 72 objets mis à disposition du public.

📝 Points essentiels

• Les textes féministes des années 1960-1970 décrivent le genre comme une attente de “performance” sociale, donc comme un rôle à accomplir.
• La performance sert à “donner corps” aux théories et revendications, en rendant visibles des rapports de pouvoir par l’expérience vécue du corps.
• Camille Froidevaux-Metterie formule l’idée que les femmes, longtemps réduites à des fonctions sexuelles et maternelles, ne peuvent pas faire comme si leur corps sexué n’existait pas.
• Dans Cut Piece, le public est sollicité pour agir (découper les vêtements) et l’artiste peut arrêter quand elle le souhaite, ce qui révèle la capacité du public à franchir des limites.
• Dans Rhythm 0, 72 objets sont accessibles au public pendant 6 heures, et la situation s’escalade de l’amusement vers la violence, jusqu’à la fuite du public à la fin.
• Abramović met en jeu les limites psychiques et physiques et redéfinit l’espace scénique par l’espace de la galerie, questionnant les rôles spectateur/voyeur/acteur.

💡 Astuce mémo

Genre = rôle à jouer ; performance = théorie incarnée ; spectateur = test de limites.

📖 12. Feminist Art Program et Judy Chicago

🔑 Notions clés & Définitions

• Feminist Art Program : Programme universitaire féministe fondé sur l’idée de déconditionner les normes de l’éducation par un travail critique et collectif.
• Paola Harper : Intervenante dont le dernier cours du programme porte sur une histoire de l’art permettant de retrouver une généalogie plutôt que d’être « hors sol ».
• Women House : Réalisation majeure du programme, une maison investie par les étudiantes pour y produire des performances et installations dans chaque espace.
• Guerrilla Girls : Collectif anonyme new-yorkais fondé en 1985 qui dénonce les inégalités de représentation des femmes et des artistes racisé·es dans les institutions.
• Annette Messager : Artiste française qui interroge les attentes de genre en mettant en scène des objets et des récits liés au privé et au public.

📝 Points essentiels

• Le programme procède par 64 entretiens afin de déconditionner les normes du système éducatif.
• Le programme ne dure que deux ans, car il rencontre des limites et des paradigmes.
• Women House naît d’un manque de lieu : les étudiantes investissent une maison pour s’approprier l’espace domestique.
• Chaque espace de Women House devient un site de performance ou d’installation pris en main par une étudiante.
• Le programme vise une liberté critique, mais certaines étudiantes quittent le cursus en constatant ses limites.
• Linda Nochlin refuse de participer car elle ne veut pas être catégorisée comme « artiste femme » plutôt que comme artiste.

💡 Astuce mémo

64 entretiens → déconditionner ; Women House → maison-performances.

📅 Repères chronologiques

📊 Tableaux de synthèse

Étapes d’accès institutionnel (fin XIXe-début XXe)

Mécanismes d’invisibilisation et réponses

⚠️ Pièges & confusions fréquents

1. Confondre l’accès aux cours théoriques (1897) avec l’accès aux ateliers : en 1897, les ateliers ne sont pas encore ouverts aux femmes.
2. Croire que la dissolution de l’Académie royale (1793) supprime l’inégalité : le cours insiste sur une progression très limitée (15 femmes contre 500 hommes sur la période).
3. Penser que les écoles privées garantissent une égalité totale : elles restent payantes et socialement filtrées (donc accès dépend des moyens).
4. Réduire la notion de « pionnière » à « première au sens absolu » : le cours insiste sur la nécessité de contextualiser et sur le caractère souvent postérieur du titre.
5. Confondre « travestissement » et « transgression » : le travestissement est lié au vêtement/brouillage des catégories, la transgression est le franchissement plus général des normes.
6. Croire que « art féminin » signifie forcément une valorisation : le cours montre que la catégorisation peut aussi réduire, essentialiser et exclure de la modernité.
7. Assumer que la performance a une définition unique : le cours souligne au contraire une définition instable et variable selon les périodes et les artistes.

✅ Checklist Examen

1. Situer le rôle de l’Académie royale (1648) dans la formation et la hiérarchie des genres, puis expliquer comment le Salon (1725) devient un levier de visibilité/sélection.
2. Expliquer pourquoi l’École des Beaux-Arts (1817) reste un marqueur de prestige mais demeure interdit aux femmes, et citer les conditions d’entrée (top du concours ou médaille au Salon).
3. Décrire le mécanisme d’obstacle majeur lié au modèle vivant nu et à l’idée d’inacceptable proximité avec un nu féminin/masculin, tel que présenté dans le cours.
4. Présenter le rôle des écoles privées (Académie Julian, Académie Vitti créée en 1889) : accessibilité pour les femmes, logique payante, et séparation des ateliers pour rassurer les familles.
5. Raconter la chronologie d’accès progressif : 1897 (théorie), 1900 (ateliers séparés), 1903 (Prix de Rome/Villa Médicis), 1904 (syndicat), 1923 (célibataires), 1924 (toutes).
6. Expliquer pourquoi le Prix de Rome et la Villa Médicis posent aussi des débats de mœurs, et relier cela à l’idée d’institutions qui contrôlent les corps et les apparences.
7. Analyser le rôle des musées/expositions dans la construction d’un « art féminin » : histoire, catégories, chronologie, et l’ambivalence valorisation/clichés.
8. Expliquer la logique de réappropriation : comment certaines artistes utilisent ces discours pour gagner en visibilité tout en risquant d’être exclues de la marche de l’histoire de l’art.
9. Présenter le rôle des nouveaux médias et réseaux sociaux comme palier à l’invisibilisation, tout en sachant formuler leurs limites (image de liberté centrée sur l’apparence).
10. Comparer les mécanismes d’exclusion dans les avant-gardes : futurisme (femmes supprimées), cubisme (succès qui exclut), néo-impressionnisme (majoritairement masculin), Dada (présence minorée dans les discours).
11. Expliquer comment la performance et la présence du corps deviennent un espace de négociation : performance comme art vivant, corps-objet, relation au public, et lien avec les luttes féministes.
12. Maîtriser les exemples clés de performance féministe et leur logique spectateur : Cut Piece (21 mars 1965), Rhythm 0 (1974), et ce que l’escalade révèle du public et des limites du corps féminin.
13. Expliquer le Feminist Art Program et Women House : objectif de déconditionnement (64 entretiens), durée (2 ans), et finalité d’un lieu pour performances/installations.
14. Savoir présenter WACK! (2007) et le Feminist Art Program (Judy Chicago) : ce que l’exposition cherche à rétablir, et la critique liée à la surreprésentation (américaines/blanches) et aux réponses (global feminism).