Artifice : catégorie qui désigne ce qui est créé par l'homme pour imiter, transformer ou masquer la nature, souvent considéré comme opposé à ce qui est naturel.
Technique : domaine qui concerne l'ensemble des procédés et savoir-faire permettant de réaliser une œuvre ou un objet, souvent associé à la maîtrise et à la compétence pratique.
Art artistique : conception de l'art comme activité ou œuvre qui vise à produire du beau ou à susciter une émotion esthétique, étant la notion la plus utilisée en philosophie.
Ready-made : œuvre d'art contemporaine consistant à présenter un objet usuel comme une œuvre d'art, remettant en question la définition traditionnelle de l'œuvre et la place de la technique ou de la créativité dans l'art.
Le mot « art » possède trois sens principaux. Le premier, l'art comme artifice, distingue ce qui est créé par l'homme de la nature, comme un feu d'artifice qui est artificiel et non naturel. Le deuxième sens, celui de la technique, concerne la maîtrise de procédés pour fabriquer ou réaliser des objets ou des activités, tels que l'artisanat ou les arts martiaux. La troisième signification, la plus utilisée en philosophie, est celle de l'art comme activité ou œuvre artistique visant à produire du beau ou à provoquer une émotion esthétique. La remise en question de cette définition traditionnelle apparaît notamment avec l'exemple du ready-made, qui montre que l'œuvre d'art ne nécessite pas forcément une technique élaborée.
Le terme « art » recouvre plusieurs réalités : l'art comme artifice, comme technique, et comme activité artistique visant le beau. Sa définition évolue avec les pratiques, notamment dans l'art contemporain qui remet en question la nécessité de la technique ou de la réalisation concrète.
Architecture : discipline artistique qui conçoit et construit des édifices, en intégrant des contraintes techniques et esthétiques, tout en étant considérée comme une forme d’expression artistique.
Sculpture : art de modeler ou d’inciser des matériaux tels que le marbre, l’argile ou le bronze pour créer des formes en trois dimensions, souvent destinées à la représentation ou à l’abstraction.
Peinture : technique artistique consistant à appliquer des couleurs sur une surface pour représenter des sujets ou exprimer des idées, incluant ses dérivés comme la gravure ou le dessin.
Musique : art sonore qui peut être vocale ou instrumentale, ou les deux, visant à produire des compositions esthétiques ou expressives.
Littérature : ensemble d’œuvres écrites comprenant la poésie, le roman, la nouvelle et le théâtre, qui utilisent le langage pour transmettre des idées, des émotions ou des récits.
Danse : art du mouvement corporel souvent associé à la musique, regroupant diverses formes comme la danse folklorique, classique ou contemporaine, pour exprimer des sentiments ou raconter des histoires.
Les six formes d'art classiques en Occident sont : architecture, sculpture, peinture, musique, littérature, danse.
La classification occidentale s’est enrichie avec le cinéma, la photographie, la radio/télévision et la bande dessinée, qui sont aussi reconnues comme arts à part entière.
Les arts du spectacle complètent cette liste, incluant le théâtre, l’opéra, le cirque, l’illusionnisme, les spectacles de rue, les performances et les happenings, où l’interactivité avec le public est souvent centrale.
Il est important de noter que cette liste est occidentalo-centrée, d’autres cultures valorisent aussi des arts majeurs comme la calligraphie dans le monde arabe et en Extrême-Orient, qui ne relèvent pas forcément de la peinture.
Les formes d’art traditionnelles occidentales ont structuré la culture artistique, mais la diversité culturelle et l’évolution artistique ont permis d’étendre cette liste à de nombreuses autres pratiques, notamment dans le spectacle et les arts visuels modernes.
Installation : Forme d'art contemporain qui consiste à occuper un espace intérieur ou extérieur avec des objets, des lumières, du son ou d’autres éléments, créant une expérience immersive ou une mise en scène spécifique.
Body art : Pratique artistique où le corps de l’artiste devient le support ou l’objet de l’œuvre, intégrant souvent des modifications corporelles ou des performances.
Land art : Œuvres réalisées en milieu naturel, utilisant des matériaux issus de l’environnement pour créer des installations ou des sculptures directement dans la nature, souvent éphémères.
Street art : Art réalisé en milieu urbain, comprenant des pratiques telles que le graffiti ou le détournement de mobilier urbain, visant à investir l’espace public avec une démarche souvent contestataire.
Art conceptuel : Forme d’art qui privilégie l’idée ou le concept au détriment de la réalisation matérielle, souvent en rupture avec les formes classiques et traditionnelles.
Depuis le XXe siècle, de nouvelles formes d'art ont émergé, marquant une rupture avec les pratiques traditionnelles. Les installations occupent des espaces variés, mêlant objets, lumières et sons pour créer des environnements immersifs. Le body art utilise le corps humain comme support, intégrant performances ou modifications corporelles. Le land art s’inscrit dans la nature, utilisant des matériaux naturels pour réaliser des œuvres souvent éphémères dans un environnement extérieur. Le street art investit l’espace urbain, notamment par le graffiti ou le détournement d’éléments urbains, souvent pour une expression contestataire ou critique. Ces pratiques illustrent l’utilisation de matériaux et de contextes nouveaux, élargissant la conception de l’art au-delà des formes classiques.
L’art moderne s’affranchit des formes et matériaux traditionnels, intégrant des pratiques innovantes qui exploitent l’espace, le corps ou le contexte naturel, pour renouveler la création artistique.
Art abstrait : forme d’art qui ne cherche pas à représenter des objets ou des scènes du réel, mais plutôt à exprimer des idées ou des émotions par des formes, des couleurs ou des lignes.
Art figuratif : forme d’art qui représente des objets, des personnes ou des scènes du monde réel, permettant une reconnaissance immédiate par l’observateur.
Concret (en art) : qui peut être expérimenté directement par les sens, en référence à ce qui est tangible ou perceptible dans la réalité.
Abstrait (en art) : qui désigne une idée ou un concept inaccessible à l’expérience sensorielle directe, souvent exprimé par des formes non représentatives.
L'art abstrait ne cherche pas à représenter des objets concrets ou réels, contrairement à l'art figuratif. Il privilégie l’expression de formes, de couleurs ou de lignes qui ne renvoient pas directement à la réalité observable. Par exemple, une peinture abstraite peut utiliser des formes géométriques ou des couleurs vives sans évoquer un objet précis.
Le terme « art concret » n’est pas utilisé ; on parle plutôt d’art figuratif pour désigner l’art qui représente le réel. La distinction repose sur la nature de la représentation : concrète pour ce qui peut être expérimenté directement, abstraite pour ce qui relève d’une idée ou d’un concept inaccessible à l’expérience sensorielle.
L’art abstrait se distingue de l’art figuratif par l’absence de représentation concrète, privilégiant l’expression d’idées ou d’émotions à travers des formes non référentielles. La différence repose sur la capacité ou non à reconnaître immédiatement un objet ou une scène dans l’œuvre.
Beauté artistique : qualité esthétique que l’on attribue à une œuvre d’art, considérée comme une représentation plaisante ou harmonieuse, souvent liée à la capacité de provoquer une sensation de plaisir chez le spectateur.
Beaux-arts : disciplines artistiques traditionnelles, telles que la peinture, la sculpture, la musique ou la poésie, qui ont historiquement été associées à la recherche de la beauté et à la création d’œuvres esthétiquement agréables.
Art contemporain (relation à la beauté) : ensemble des œuvres et pratiques artistiques du XXe siècle à nos jours, qui remettent en question la notion de beauté comme critère essentiel de l’art, en proposant des œuvres qui ne visent pas nécessairement la beauté ou l’esthétique traditionnelle.
Traditionnellement, l’art était défini par la recherche de la beauté, comme l’indique Kant, qui distingue la beauté naturelle, une chose belle en soi, de la beauté artistique, qui concerne la représentation d’une chose. Selon lui, les beaux-arts ont la capacité de donner une belle description de choses laides ou déplaisantes, comme les monstres, en proposant une représentation esthétique.
Cependant, avec l’émergence de l’art contemporain au XXe siècle, cette conception s’est fragilisée. La majorité des œuvres modernes ne cherchent pas à exprimer la beauté. Par exemple, des œuvres comme la sculpture Io Sono de Salvatore Garau, qui n’existe pas matériellement mais délimite un espace vide, ou le morceau 4’33’’ de John Cage, où le silence devient l’œuvre elle-même, illustrent cette évolution.
L’art contemporain remet en cause l’idée que l’art doit nécessairement être beau ou représenter quelque chose de plaisant. La diversité des formes artistiques, leur absence systématique d’objet matériel ou de signification claire, rend difficile toute définition unique de l’art basée sur la beauté.
Ce qui semble commun à toutes les formes d’art, c’est leur capacité à provoquer des émotions, mais ces émotions sont artificielles, c’est-à-dire qu’elles surgissent uniquement par contact avec une création artistique et disparaissent dès que ce contact cesse. Ces émotions incluent la beauté, la joie, mais aussi la laideur, la peur ou le mystère. La tristesse ou la peur ressenties face à une œuvre, comme dans le théâtre ou la musique, montrent cette dimension artificielle, différente de la tristesse ou de la peur naturelles.
Enfin, deux positions s’opposent concernant l’utilité de l’art : ceux qui défendent « l’art pour l’art », affirmant que l’art doit rester pur et inutile, et ceux qui voient dans l’art un moyen de contribuer au progrès, à la science ou à une cause utile, comme le soutient Victor Hugo.
L’art ne peut être défini uniquement par la beauté, car la diversité des formes et des intentions artistiques montre que la capacité à provoquer des émotions, qu’elles soient belles ou non, est la caractéristique essentielle de l’art.
Technique artistique : maîtrise des moyens nécessaires à la réalisation d’une œuvre, impliquant un entraînement spécifique et des capacités particulières.
Art conceptuel (technique) : pratique artistique où l’idée ou le concept prime sur la maîtrise technique traditionnelle, valorisant la réflexion ou l’intention derrière l’œuvre.
Nouveaux matériaux et technologies : innovations matérielles ou technologiques utilisées dans l’art contemporain, telles que le plastique, la vidéo, l’informatique, ou des moteurs électriques.
La technique désigne la capacité de l’artiste à produire des œuvres exigeant un entraînement et des compétences particulières. Elle est souvent associée à des disciplines comme la musique ou la peinture, où la maîtrise technique est visible dans la précision ou la finesse d’exécution. Par exemple, jouer une œuvre complexe comme la Toccata et fugue en ré mineur de Bach requiert une technique avancée, tout comme la reproduction fidèle de la lumière dans la peinture de William Turner.
Dans l’art contemporain, la technique peut également inclure l’utilisation de matériaux innovants ou de technologies modernes. Même lorsque la maîtrise technique est poussée à l’extrême, elle ne correspond pas toujours à celle des artistes des siècles précédents, car l’emploi de nouveaux matériaux (plastique) ou de technologies (vidéo, informatique) modifie la nature même de la technique utilisée.
La technique peut être centrale dans certains courants artistiques, notamment ceux qui valorisent la maîtrise précise, ou secondaire lorsque l’accent est mis sur l’idée ou le concept, comme dans l’art conceptuel. Dans l’art contemporain, l’utilisation de technologies modernes et de matériaux innovants témoigne d’une évolution de la relation à la technique.
Imagination artistique : capacité des artistes à créer des œuvres qui permettent de voir au-delà de la réalité immédiate, en utilisant leur faculté d'inventer et de représenter des mondes ou des états d'âme.
Évasion : aspect de l’art considéré comme une fuite ou un éloignement de la réalité quotidienne, souvent associé à l’idée que l’art permet de s’évader du réel pour accéder à un univers imaginaire ou idéal.
Révélation (artistique) : fonction de l’art qui consiste à faire apparaître ce qui est invisible ou ignoré dans la réalité, en révélant des aspects cachés ou en faisant voir autrement le monde et l’expérience.
L’art peut être perçu comme une évasion de la réalité par l’imagination, selon Hegel : il offre un refuge ou un espace de liberté où l’individu peut se libérer des contraintes du réel. Cependant, Bergson affirme que l’art ne nous éloigne pas de la réalité, mais au contraire, il nous en rapproche. En révélant ce qui est invisible ou ignoré, l’art permet de percevoir des aspects du monde ou de soi-même que la conscience ordinaire ne voit pas. L’artiste joue ainsi un rôle de révélateur, en faisant voir autrement le monde et l’expérience, en mettant en lumière des nuances d’émotion ou de pensée enfouies en nous. La peinture, notamment, illustre cette fonction de révélation, en proposant une vision qui devient ou deviendra la perception commune. La fonction de révélation de l’art s’étend aussi à la société, où l’artiste, influencé par son contexte, peut produire des œuvres engagées ou officielles, reflétant ou critiquant le pouvoir en place. La peinture ou la musique, contrairement à la littérature, seraient moins capables d’être engagées dans un sens idéologique, car elles ne portent pas intrinsèquement de signification. La littérature, en revanche, peut exprimer des idées et provoquer une conscience critique, comme le montrent des œuvres engagées telles que Sartre (philosophe français du XXe siècle) l’a analysé.
L’art, selon une conception philosophique, ne s’éloigne pas de la réalité mais la révèle en faisant apparaître ce qui est invisible ou ignoré, transformant ainsi notre perception du monde et de nous-mêmes.
Interprétation d'œuvre : démarche qui consiste à attribuer une signification à une œuvre d’art, souvent en lien avec son contexte religieux, culturel ou symbolique, ou en fonction de l’analyse de ses éléments visuels.
Anamorphose : forme déformée dans une œuvre, qui doit être vue sous un angle ou dans une perspective spécifique pour en révéler le sens ou la figure cachée, comme dans le tableau de Holbein le jeune, Les ambassadeurs.
Symbolisme : usage d’éléments ou de figures pour représenter des idées, des valeurs ou des concepts abstraits, souvent présents dans des œuvres complexes ou riches en significations.
Ambiguïté interprétative : situation où une œuvre peut être comprise de plusieurs manières, parfois contradictoires, en fonction des perceptions ou des interprétations différentes des observateurs.
Clé d'interprétation de l'artiste : indication ou message fourni par l’artiste lui-même, permettant de comprendre plus précisément le sens de son œuvre, notamment dans le cas de l’art moderne ou contemporain, comme chez Dalí.
Certaines œuvres ont une signification évidente, souvent liée à un contexte religieux ou culturel, comme dans l’art religieux où le tableau de Rubens, La chute des damnés, représente une scène de jugement divin, servant de mise en garde.
D’autres œuvres sont plus complexes mais que les spécialistes s’accordent à interpréter d’une manière spécifique. Par exemple, le tableau de Holbein, Les ambassadeurs, contient une anamorphose dont la reconnaissance symbolise la mortalité, même derrière des symboles de richesse et de savoir.
Il existe aussi des œuvres comportant plusieurs significations, parfois contradictoires. La gravure de Dürer, Le chevalier, la mort et le diable, illustre cette pluralité, avec un sourire du chevalier pouvant être interprété comme de la confiance ou de la complicité.
Certaines œuvres sont interprétées différemment de l’intention de l’artiste. La sculpture de Le Bernin, L’extase de sainte Thérèse, est religieusement vue comme une scène divine, mais certains y perçoivent un plaisir sexuel, en raison de la posture et des écrits de sainte Thérèse.
Depuis le XXe siècle, l’artiste peut aussi fournir lui-même une clé d’interprétation. Par exemple, Dalí, dans La persistance de la mémoire, utilise des montres molles pour symboliser la relativité du temps et son inutilité.
Enfin, certaines œuvres restent difficiles à interpréter, soit parce qu’elles sont mystérieuses, soit parce qu’elles sont riches de significations. Le triptyque de Bosch, Le jardin des délices, en est un exemple, avec ses scènes symboliques, fantastiques et démesurées, laissant place à de multiples lectures.
L’interprétation d’une œuvre peut varier selon le contexte, la perception ou la clé fournie par l’artiste, illustrant la richesse et la complexité des sens possibles dans l’art.
Provocation artistique : catégorie d’œuvres qui, par leur contenu ou leur forme, suscitent des réactions de choc, de controverse ou de scandale, remettant en question les normes esthétiques ou morales établies.
Interprétation controversée : situation où la lecture ou la signification d’une œuvre diffère fortement de l’intention de l’artiste, alimentant la polémique ou la discorde.
Réception publique : manière dont le public perçoit, interprète ou réagit à une œuvre d’art, pouvant diverger de l’intention de l’artiste et générer des controverses ou des scandales.
Certaines œuvres provoquent des scandales en raison de leur contenu ou de leur forme, remettant en cause les normes esthétiques ou morales. Par exemple, la représentation de la nudité ou du sexe, qui varie selon les sociétés et les époques, peut choquer ou être acceptée différemment. La représentation d’Adam et Ève, souvent nue, a été sujette à des censures ou à des censures selon les périodes, en fonction des normes morales.
Le scandale peut aussi naître d’un dévoilement involontaire ou volontaire de parties du corps, comme dans le cas de Michel-Ange avec sa fresque Le jugement dernier, où la nudité de nombreux personnages a suscité une controverse qui a conduit à voiler certaines parties après sa mort.
Les œuvres littéraires, comme celles du Marquis de Sade, ont provoqué des scandales par leurs descriptions crues de scènes sexuelles ou par leur contenu jugé immoral, notamment l’apologie de comportements extrêmes.
Les artistes modernes ou contemporains ont également suscité des controverses, comme Flaubert avec Madame Bovary, jugé pour outrage à la morale publique, ou Déborah de Robertis, qui a reproduit une posture du tableau de Courbet en étant nue devant le tableau, sans être condamnée.
Les atteintes à des idéaux ou symboles sacrés, religieux ou politiques, ont souvent provoqué des scandales, notamment avec la caricature de personnages publics ou de figures religieuses, comme dans le cas des caricatures de Mahomet par Charlie Hebdo.
L’art contemporain n’épargne pas les symboles religieux ou patriotiques, avec des œuvres comme Piss Christ ou une photographie d’un homme s’essuyant dans un drapeau français, qui ont suscité de vives réactions.
Les représentations de choses dégoûtantes ou horrifiques, telles que cadavres ou excréments, ou encore la mise en scène de scènes choquantes ou morbides, ont aussi provoqué des scandales. Par exemple, Piero Manzoni avec ses boîtes de conserve intitulées Merda d’artista, ou Maurizio Cattelan avec ses mannequins d’enfants pendus.
L’art peut être un vecteur de contestation et de remise en question sociale et culturelle, en provoquant des scandales qui remettent en cause les normes établies ou les valeurs sacrées.
| Date | Événement |
|---|---|
| Non mentionné | — |
| Non mentionné | — |
| Non mentionné | — |
| Critère | Art comme artifice | Art comme technique | Art comme activité artistique |
|---|---|---|---|
| Définition principale | Création humaine pour imiter ou masquer la nature | Maîtrise de procédés pour réaliser des œuvres | Vise à produire du beau ou susciter une émotion |
| Exemple | Feu d'artifice | Artisanat, arts martiaux | Œuvres artistiques visant l’émotion ou la beauté |
| Remise en question | Ready-made, œuvre sans technique élaborée | La technique n’est pas toujours nécessaire | La finalité esthétique ou émotionnelle est centrale |
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1. À quelle conception de l'art est généralement attribuée la majorité de la philosophie moderne ?
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Art — définition ?
Activité ou œuvre visant à produire du beau ou une émotion.
Formes d'art classiques
Architecture, sculpture, peinture, musique, littérature, danse.
Formes d'art modernes
Installation, body art, land art, street art, art conceptuel.
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