Fiche de révision : Histoire et évolution du design japonais

📋 Plan du Cours

1. Définitions et distinctions fondamentales du design au Japon
2. Modalités d’évaluation et objectifs pédagogiques du cours d’histoire du design
3. Écriture et reconnaissance de l’histoire de l’art japonais à l’ère Meiji
4. Origines et évolution du graphic design japonais de l’estampe à la lithographie
5. Développement du graphic design moderne au Japon
6. Design industriel japonais et émergence de designers emblématiques à partir des années 1970
7. Impact de l’Exposition universelle d’Osaka 1970 sur le design japonais
8. Approche contemporaine du design par Kita Toshiyuki : fusion artisanat traditionnel et technologies modernes
9. Créations conceptuelles et matériaux innovants dans le design de Kuramata Shiro
10. Évolution du rôle économique et culturel du design au Japon dans les années 1980
11. Transformation de la consommation et émergence d’une économie de l’information liée au design dans les années 1980
12. Grandes périodes historiques du Japon et leur influence sur le design

📖 1. Définitions et distinctions fondamentales du design au Japon

🔑 Notions clés & Définitions

• Esthétique industrielle : Une approche visant à créer des formes nouvelles, fonctionnelles et adaptées à leur usage, souvent produites en série par des machines.
• Design : Une définition du design…
• En général : Artisanat ≠ Design
• Mais artisanat fondamental dans le développement du design
• Design : produit par la machine, en série
• Art ≠ Design
• Car design répond à un besoin, comme l’utilité d’une chaise, d’une table, d’une verre, d’un logo, ou même d’une affiche publicitaire
• Contrairement à l’art qui est « gratuit », ne répond à aucun besoin, autre qu’esthétique
• Mais l’art et l’artisanat sont inclus, dans une certaine mesure, dans la pratique du design
• Liens forts entre le design et l’architecture (beaucoup d’architectes sont designers et vis versa) 日本工芸 La culture artisanale au Japon Le design est partout !

📝 Points essentiels

• Le design est défini comme une esthétique industrielle appliquée à la recherche de formes nouvelles et adaptées à leur fonction.
• Le design se distingue de l'artisanat car il est produit par la machine et en série, tandis que l'artisanat est manuel.
• Le design répond à un besoin fonctionnel, comme l'utilité d'une chaise ou d'un logo, contrairement à l'art qui est gratuit et purement esthétique.
• Le design inclut dans une certaine mesure l'art et l'artisanat, et entretient des liens forts avec l'architecture.
• Collecter des produits artisanaux de qualité dans tout le Japon et dans le monde pour chercher la fonction des produits Écrit un manifeste pour produire du mobilier en masse et bon marché
• Il veut répondre aux enjeux de la nouvelle vie dans le Japon urbain
• S’intéresse à la modernisation des intérieurs (habitat), rationalisation de l’usage et de la production
• Selon lui, la modernisation de la nation passe par l’utilisation d’un mobilier occidental
• L’habitat devient un médium de la modernisation du pays (car il touche à la vie quotidienne) Moriya Nobuo 森谷延雄
• Voyage à travers le Japon pour donner des conférences sur le mobilier occidental
• Souhaite répondre à l’urgence de la reconstruction après le séisme de Tokyo en 1923
• 1925 : organise l’exposition “Small Interior Art”, dans laquelle il propose trois modèles de chambres
• Nemuri-hime no shinshitsu ねむり姫の寝室 (Chambre à coucher de la belle au bois dormant), pour une fille
• Torikage no utsuru mado no shosai 鳥影の映る窓の書斎 (Bureau dont la fenêtre reflète l’ombre d’un oiseau), pour un père (salaryman)
• Shunuri no kagu wo ireta shokudo (Une salle à manger avec du mobilier laqué rouge), inspiré du style chinois (laque) Moriya Nobuo 森谷延雄
• Cette expo représente les idées principales de Moriya : besoin de réforme industrielle, importance de l’art et de la beauté dans la vie quotidienne, et une compréhension du Japon moderne comme nation impériale
• 1927 : il fonde le groupe de design Kinome-sha
• Objectif : démocratiser la production de masse et beauté dans le temps et dans l’espace.

💡 À retenir

Comprendre les distinctions claires entre design, artisanat et art permet de saisir la spécificité du design japonais.

📖 2. Modalités d’évaluation et objectifs pédagogiques du cours d’histoire du design

🔑 Notions clés & Définitions

• Modalités d’évaluation : Les modalités d’évaluation consistent en un examen final qui compte pour 100% de la note, comprenant un QCM et des questions ouvertes, avec une durée de 40 minutes, étendue à 55 minutes pour les étudiants bénéficiant d'un tiers-temps.
• Design kawaii : Un style de design japonais apparu dans les années 1970, caractérisé par la création de produits et personnages mignons destinés principalement au marché de la jeunesse, illustré par des icônes comme Hello Kitty.
• Partie du cours : Une division du cours d’histoire du design en deux segments : la première partie couvre la première moitié du 20e siècle avant un examen intermédiaire, et la deuxième partie traite la seconde moitié du 20e siècle après cet examen.
• Écriture de l’histoire : Une approche érudite de l’histoire de l’art qui confronte les œuvres aux sources anciennes, interprétant idéologiquement le passé et mettant en avant la figure impériale, considérant l’art comme une offrande respectueuse aux divinités et à la cour impériale.

📝 Points essentiels

• Le cours comprend 10 séances d'une heure, se concentrant sur le 20e siècle, divisées en deux parties avant et après un examen intermédiaire.
• L'objectif principal est de comprendre les enjeux sociétaux du design et son rôle sur la scène internationale, en introduisant des œuvres iconiques du design japonais.

💡 À retenir

Comprendre les modalités d’évaluation et les objectifs du cours permet d’orienter efficacement l’apprentissage de l’histoire du design.

📖 3. Écriture et reconnaissance de l’histoire de l’art japonais à l’ère Meiji

🔑 Notions clés & Définitions

• Affiche : Support imprimé utilisé pour la communication visuelle, souvent en grand format, destiné à être exposé dans des espaces publics, considéré comme une forme moderne d’estampe au Japon.
• En japonais : Langue utilisée pour désigner les termes et concepts liés au design et à l’art, notamment le mot ishō (意匠) employé officiellement à l’ère Meiji pour désigner un concept proche du design.
• Kurokawa Mayori : Chercheur formé à l’école des Études nationales (Kokugaku), participant à la construction érudite et idéologique de l’histoire de l’art japonais à l’ère Meiji, mettant l’accent sur la tradition et la figure impériale.

📝 Points essentiels

• Le terme ishō (意匠) est utilisé officiellement à l’ère Meiji pour désigner un concept proche du design avant l’adoption du mot anglais design.
• Entre 1870 et 1880, un intérêt naissant pour l’histoire de l’art et le patrimoine japonais est stimulé par l’influence occidentale.
• Okakura Tenshin et Kurokawa Mayori sont des figures clés dans la première écriture officielle de l’histoire de l’art japonais, notamment lors de l’Exposition universelle de 1900 à Paris.
• La revue Kokka, lancée en 1889 par Okakura Kakuzô, joue un rôle moteur dans la promotion, la conservation et l’enseignement des beaux-arts au Japon.
• • et les artisans spécialisés peignent les panneaux de réclame sur papier, tissu ou bois (ekanban 絵看板) • Supports commerciaux imprimés : banzuke 番付 (affiche de de la peinture japonaise) • Intellectuels en quête d’une identité nationale, d’une originalité japonaise, et une certaine supériorité vis-à-vis de l’Occident • Développement du mouvement mingei autour de la culture orientale (Corée, Japon) • Ambiguité de Yanagi qui admire l’Occident par certains aspects, mais souhaite promouvoir un nationalisme culturel • Mouvement qui se poursuit à l’èreTaishō : 1912-1926 Couverture du 100e numéro de la revue Shirakaba Les prémices d’une production de design • Période Meiji : 1868-1912 • Nôtomi Kaijirô (1844-1918) : père du design au Japon • Fils de guerrier • S’intéresse au processus de mécanisation de la production, principalement pour l’export • Combine les technologies occidentales et le design japonais • Il crée le mot zuan 図案, sorte de proto concept de design, le mot design デザイン ne sera utilisé couramment qu’après la Seconde Guerre mondiale • Établi des liens entre les artistes et les artisans, ce qui rappelle le concept d’artiste-artisans que Yanagi développe plus tard • Liens étroits avec le gouvernement qui encourage la production de masse et l’export des produits • Dès 1880’s : ouverture d’institutions pédagogiques pour la recherche et le développement de la technologie pour la production artisanale (Tokyo Shokkô Gakkô 1881, Kanazawa Kôgyô Gakkô 1887…) La promotion gouvernementale • 1913 : organisation de l’exposition Nôshô mushô Carrière d’architecte et de designer • 1931 : Fréquente l’atelier de Le Corbusier et Pierre Jeanneret à Paris pendant 8 ans, et est ami avec Charlotte Perriand • 1939 : fonde sa propre agence au Japon • Et devient l’un des grands architectes japonais de la modernité • Il crée également du mobilier • Productions majeures : • Pavillon du Japon pour l’exposition universelle de Paris en 1937 • Musée national d’art moderne de Tokyo en • Chaise Teiza, produite depuis 1960 Sakakura Junzo et Le Corbusier Musée national d’art occidental à Tokyo, conçu par Le Corbusier, avec Sakakura Junzo en 1959.

💡 À retenir

La reconnaissance de l’art japonais à l’ère Meiji s’est construite à travers des figures clés comme Okakura Tenshin et Kurokawa Mayori, et par la promotion institutionnelle via la revue Kokka.

📖 4. Origines et évolution du graphic design japonais de l’estampe à la lithographie

🔑 Notions clés & Définitions

• En japonais : Expression indiquant que le terme ou concept est présenté dans la langue japonaise, souvent accompagné de caractères kanji ou kana.
• Ekanban (絵看板) : Panneau de réclame peint sur papier, tissu ou bois, utilisé traditionnellement au Japon pour la promotion commerciale.

📝 Points essentiels

• Le graphic design est défini comme le design appliqué au média imprimé, avec la presse et l’affiche comme supports privilégiés.
• L’estampe, particulièrement à l’époque d’Edo, constitue l’ancêtre du graphic design japonais.
• La diffusion de l’estampe est liée à la prospérité du commerce et de l’édition, favorisant la promotion commerciale.
• Les artisans spécialisés peignent des panneaux de réclame appelés ekanban (絵看板).
• • Design durant l’époque d’Edo = anachronisme ?

💡 À retenir

L’estampe traditionnelle a posé les bases du graphic design moderne au Japon, en particulier par la diffusion commerciale et la production d’ekanban.

📖 5. Développement du graphic design moderne au Japon

🔑 Notions clés & Définitions

• **Publications…

• 1908** : En 1908, Sugiura Hisui commence à concevoir des posters, emballages, couvertures de livres et magazines, marquant un développement important du graphic design moderne au Japon.

• Communication (exemple : Processus de transmission d’informations visuelles, illustré par des posters comme celui pour l’ouverture d’un magasin en 1930, caractérisé par une composition graphique marquée incluant couleurs et perspective.

📝 Points essentiels

• Le graphic design moderne au Japon s’appuie sur la presse et l’affiche, héritiers directs de l’estampe.
• L’affiche est considérée comme une estampe moderne intégrant techniques et esthétiques traditionnelles dans un contexte commercial.
• Le développement du graphic design est lié à la montée de la communication visuelle dans le commerce et les médias au 20e siècle.

💡 À retenir

Le graphic design moderne au Japon s’est développé à partir des supports hérités de l’estampe, intégrant techniques traditionnelles dans la communication commerciale et médiatique.

📖 6. Design industriel japonais et émergence de designers emblématiques à partir des années 1970

🔑 Notions clés & Définitions

• Design industriel : Domaine du design axé sur la conception de produits manufacturés, notamment dans l’électronique à partir des années 1970.
• Issey Miyake : Designer japonais emblématique, connu pour ses créations innovantes dans la mode et le design.

📝 Points essentiels

• Le design industriel japonais se développe fortement à partir des années 1970, notamment dans l’électronique.
• Des figures majeures comme Issey Miyake émergent durant cette période.
• Le Walkman de Sony, créé en 1979, révolutionne l’écoute musicale et favorise la miniaturisation.
• La capacité de production japonaise progresse, renforçant le rôle du design industriel dans l’économie.

💡 À retenir

L’essor du design industriel japonais dans les années 1970 est marqué par des figures emblématiques et des innovations comme le Walkman, dans un contexte de croissance économique.

📖 7. Impact de l’Exposition universelle d’Osaka 1970 sur le design japonais

🔑 Notions clés & Définitions

• 1955 : Année marquante dans le développement du design japonais, avec l'organisation de l'exposition collective Graphic’55 par Takashimaya, réunissant sept futurs leaders du design graphique japonais.
• **Japon
• De nombreux chantiers sont lancés** : Lancement de projets majeurs tels que l'autoroute aérienne, le Shinkansen, et la construction d’équipements sportifs, illustrant la spectaculaire reconstruction du Japon après la guerre.
• Kamekura Yûsaku :
  • Certains sont encore considérés aujourd’hui comme des icônes du design mondial Chaise CH24 Wishbone conçue par Hans Wegner en 1949 Fauteuil Egg conçu par Arne Jacobsen en 1958 Noguchi Isamu (1904-1988)
  • Né à Los Angeles d’un père japonais (poète) et d’une mère américaine
  • Designer, sculpteur et artiste américano-japonais
  • Il conçoit du mobilier : lampes, tables, chaises
  • Et des objets : radio, minuteur, horloge, enceintes…
  • Matériaux de prédilection : plastique, métal, bois…
  • Sa production illustre sa double identité : américaine et japonaise Noguchi Isamu (1904-1988)
  • Designer, sculpteur et artiste américano-japonais
  • Il conçoit du mobilier : lampes, tables, chaises
  • Et des objets : radio, minuteur, horloge, enceintes…
  • Matériaux de prédilection : plastique, métal, bois…
  • Sa production illustre sa double identité : américaine et japonaise
  • Esthétique : économie de moyens
  • Il travaille aux côtés de Constantin Brancusi à Paris (sculpteur roumain, naturalisé français)
  • Il veut appliquer les principes de la sculpture à la vie de tous les jours Radio conçue par Noguchi Isamu Masque de kendō Coffee table, 1944, verre et bois, conçue par Noguchi Isamu et fabriquée par Herman Miller Noguchi Isamu (1904-1988)
  • 1950 : il arrive au Japon (il n’y est retourné qu’une fois en 1931 depuis ses 13 ans)
  • Il est alors un artiste réputé mondialement, et il est accueilli avec joie par les artistes, architectes et designers
  • On lui demande de présenter une exposition dans les Grands magasins Mistukoshi à Tokyo  Il y expose de la céramique, des projets de jardins, une pièce pour une université et la maquette d’une cloche en mémoire de Hiroshima
  • 1951 : il voyage à Gifu et découvre les manufactures de parapluies et de lanternes fabriqués à partir de papier d’écorce de mûrier
  • Le maire de Gifu lui demande de revitaliser l’industrie de la lanterne en créant une lampe moderne destinée à l’export  Naissance des lampes Akari (plus de 100 modèles)  Son plus grand succès Variations des luminaires Akari conçus par Noguchi Isamu à partir de 1951 Kenmochi Isamu (1912-1971)
  • Il étudie l’ébénisterie à l’Ecole supérieure d’art et de technologie à Tokyo
  • 1932 : s’intéresse au mobilier à l’IARI à Sendai
  • Il y côtoie Bruno Taut, Charlotte Perriand et Noguchi Isamu
  • 1952 : il se rend aux Etats-Unis où il rencontre des designers
  • 1954 : il démissionne de son poste à l’IARI et fonde l’agence Isamu Kenmochi Design Associates
  • Il souhaite moderniser la culture artisanale
  • Interprète sur un mode contemporain plusieurs matériaux traditionnellement utilisés dans la vie domestique, comme la fonte et le rotin
  • Son objectif : réussir sur le marché de l’exportation
  • Pour cela, il innove et créée une identité distincte
  • Il associe le sens des proportions, les matériaux et les techniques artisanales du Japon, avec la fonctionnalité, la standardisation et la production de masse du design moderne Fauteuil conçu par 90)
  • Apparition de designers phares comme Issey Miyake, Kenzo
  • Capacité de production continue à progresser
  • Le design industriel se développe, notamment dans le secteur de l’électronique
  • 1979 : création du Walkman de Sony (révolutionne la façon d’écouter la musique, ouvre la voie à la miniaturisation et à l’invention d’autres appareils à usage personnel)
  • Contexte de crainte de perte des savoir-faire traditionnels artisanaux
  • Certains designers (Kita Toshiyuki) entreprennent des visites dans les ateliers pour s’informer sur les matériaux et techniques auprès des artisans Osaka expo 70
  • Exposition universelle de 1970 organisée à Osaka
  • Thème : Progrès et harmonie de l’être humain
  • Expression et célébration de pouvoir économique, de capacité technique et d’inventivité en matière de design
  • On passe de l’industrie lourde à l’information, de la production à la consommation
  • À l’instar des JO de 1964, les designers vont jouer un rôle majeur dans l’exposition universelle de 1970 à Osaka
  • 64 millions de visiteurs, dont la moitié de la population japonaise
  • Investissement 5 fois supérieur à celui des JO de 1964
  • Les plus grands designers du moment : Kamekura Yûsaku, Kenmochi Isamu, Mano Zenichi, Otaka Takeshi (auteur du logo) Poster dessiné par Otaka Takeshi Poster dessiné par KamekuraYûsaku https://www.youtube.com/watch?v=wup7srQ2wRo&ab_channel=archivesRC Kita Toshiyuki (né en 1942)
  • Designer passionné aussi bien par l’artisanat japonais que par les technologies de pointe
  • Ses créations vont du bol en bois laqué au téléviseur LCD
  • Il évolue dans la période faste des années 60-70 (d’un point de vue économique)
  • Il est sensible aux effets négatifs de la croissance économique sur l’artisanat traditionnel
  • 1967 : ouverture de deux ateliers à Osaka et à Milan (attrait pour la culture italienne du design)
  • Conception du fauteuil Wink (mélange du Japon et de l’Italie)
  • Il associe son sens du design contemporain avec les techniques artisanales : lampes en papier, vaisselle en laque, en porcelaine, chaises en bambou Fauteuil Wink conçu par Kita Toshiyuki en 1980 Lampe en papier, 1971 Applique en papier, 1971 Vaisselle en laque, 1979 Kuramata Shiro (1934-1991)
  • Designer dont le spectre va de l’artisanat à l’art
  • Œuvre particulièrement artistique
  • Il conçoit surtout des meubles, à tendance conceptuelle : qui transcendent leur fonction première
  • Proportions étirées, profils ondulés
  • Choix de matériaux innovants : acrylique generosity and tolerance offered by the concept of ‘Design’ has received much attention.” « Le design est devenu un facteur extrêmement important dans les sociétés industrielles matures.

📝 Points essentiels

• L’exposition universelle de 1970 à Osaka célèbre le progrès, l’harmonie humaine et la puissance économique japonaise, attirant 64 millions de visiteurs, soit la moitié de la population japonaise.
• L’événement marque la transition de l’industrie lourde vers l’économie de l’information et la consommation, avec un investissement cinq fois supérieur à celui des JO de 1964.

💡 À retenir

L’exposition universelle de 1970 à Osaka célèbre le progrès, l’harmonie humaine et la puissance économique japonaise, attirant 64 millions de visiteurs, soit la moitié de la population japonaise.

📖 8. Approche contemporaine du design par Kita Toshiyuki : fusion artisanat traditionnel et technologies modernes

🔑 Notions clés & Définitions

• Kita Toshiyuki : Com/watch?v=wup7srQ2wRo&ab_channel
• Artisanat traditionnel : Ensemble des techniques et savoir-faire manuels transmis au fil des générations, garantissant une expression artistique pure et une authenticité culturelle.
• Charlotte Perriand : Architecte et créatrice en arts industriels, reconnue pour son influence dans le design moderne et son intérêt pour les matériaux naturels comme le bambou et la laque.
• Bruno Taut : » Bruno Taut, extrait de Wasurareta nihon 忘れられた日本 (Le Japon oublié) Schéma de Bruno Taut Le rôle de Bruno Taut (1880-1938)
• Lors de ses activités à l’IARI, il propose un ensemble d’idées pour créer les « Artisanats japonais modernes »

📝 Points essentiels

• Il crée des objets variés, du bol en bois laqué au téléviseur LCD, intégrant artisanat et modernité.
• En 1967, il ouvre deux ateliers à Osaka et Milan, témoignant d’un dialogue entre cultures design japonaises et italiennes.
• Son fauteuil Wink illustre la fusion entre design contemporain et techniques artisanales traditionnelles.

💡 À retenir

La démarche de Kita Toshiyuki illustre une synthèse innovante entre tradition artisanale et technologies modernes, enrichissant le design contemporain japonais par un dialogue interculturel.

📖 9. Créations conceptuelles et matériaux innovants dans le design de Kuramata Shiro

🔑 Notions clés & Définitions

• Kuramata Shiro : Designer japonais dont l’œuvre oscille entre artisanat et art, caractérisée par une forte dimension conceptuelle.
• Matériaux innovants : Matériaux tels que l’acrylique transparent, la maille métallique et la résine nacrée, utilisés pour révéler la vérité intrinsèque des objets sans ornement.
• Dans tout le Japon : Expression désignant l’étendue géographique couvrant l’ensemble du territoire japonais.
• Définition du design : Une définition du design…
• Selon Le Robert :
• Nom masculin et adjectif invariable
• Anglicisme
• Esthétique industrielle appliquée à la recherche de formes nouvelles et adaptées à leur fonction.

📝 Points essentiels

• Kuramata Shiro conçoit principalement des meubles aux proportions étirées et profils ondulés, transcendant leur fonction première.
• Son approche sensible des matériaux vise à toucher à la poésie, en révélant leur essence.

💡 À retenir

Explorer l’avant-garde du design japonais à travers l’usage poétique de matériaux innovants par Kuramata, qui transcendent leur fonction pour révéler leur vérité.

📖 10. Évolution du rôle économique et culturel du design au Japon dans les années 1980

🔑 Notions clés & Définitions

• Graphic design : Domaine du design impliquant la création d'affiches, de logos et d'illustrations, jouant un rôle clé dans la modernité et la communication commerciale.

📝 Points essentiels

• Dans les années 1980, le design au Japon devient un vecteur clé de l’identité nationale et un moteur de compétitivité industrielle.
• Le design est valorisé dans les stratégies d’entreprise et la politique culturelle, avec une importance croissante dans l’économie.

💡 À retenir

Dans les années 1980, le design au Japon devient un vecteur clé de l’identité nationale et un moteur de compétitivité industrielle.

📖 11. Transformation de la consommation et émergence d’une économie de l’information liée au design dans les années 1980

🔑 Notions clés & Définitions

• Économie de l’information : Un système économique caractérisé par une orientation vers les services et la communication, dans lequel le design joue un rôle central pour répondre aux nouveaux besoins d’une société post-industrielle.

📝 Points essentiels

• Les années 1980 au Japon marquent une transformation profonde des modes de consommation, avec le design jouant un rôle central dans l’émergence d’une économie de l’information.
• Le design s’adapte aux nouveaux besoins d’une société post-industrielle, influençant la pratique du graphic design, du mobilier, et du design industriel.

💡 À retenir

Le design accompagne et façonne la transition vers une économie de l’information en répondant aux nouveaux besoins de consommation et en créant une identité visuelle moderne.

📖 12. Grandes périodes historiques du Japon et leur influence sur le design

🔑 Notions clés & Définitions

• Période Jōmon : Période préhistorique du Japon s’étendant de -14000 à -300, caractérisée par une culture de poterie et des formes artistiques rudimentaires qui ont influencé la culture matérielle japonaise.

📝 Points essentiels

• Le design japonais est influencé par ses grandes périodes historiques, notamment la période Edo pour la diffusion de l’estampe, ancêtre du graphic design.
• La période Meiji est marquante pour l’introduction et la reconnaissance du design moderne, avec l’adoption de concepts occidentaux et la formalisation du terme ishō.
• Chaque période historique, du Jōmon à l’ère Reiwa, apporte des évolutions culturelles et techniques qui impactent le design japonais.
• Sakakura Junzo, Pavillon du Japon, Exposition Universelle de Paris, 1937 Chaise Teiza, conçue par Sakakura Junzo en 1960 Toyoguchi Katsuhei (1905-1991)
• Carrière commence avant la Seconde Guerre mondiale
• Travaille d’abord pour le gouvernement puis comme entrepreneur indépendant
• 1939-1959 : employé de l’IARI
• 1959 : création du Laboratoire de design Toyoguchi
• Il est influencé par les théories du Bauhaus : attention égale sur la fonction et sur la forme
• Importance de la chaise dans sa réflexion (emblème du mode vie occidental)
• Pour cela il étudie l’anatomie, les proportions du corps humain, les postures…
• La plus connue et la chaise Spoke, 1963, produite par le fabricant de meubles Tendo
• Qui est une réinterprétation de la chaise Windsor Spoke chair, conçue par Toyoguchi Katsuhei Investissement 5 fois supérieur à celui des JO de 1964
• Les plus grands designers du moment : Kamekura Yûsaku, Kenmochi Isamu, Mano Zenichi, Otaka Takeshi (auteur du logo) Poster dessiné par Otaka Takeshi Poster dessiné par KamekuraYûsaku https://www.youtube.com/watch?v=wup7srQ2wRo&ab_channel=archivesRC Kita Toshiyuki (né en 1942)
• Designer passionné aussi bien par l’artisanat japonais que par les technologies de pointe
• Ses créations vont du bol en bois laqué au téléviseur LCD
• Il évolue dans la période faste des années 60-70 (d’un point de vue économique)
• Il est sensible aux effets négatifs de la croissance économique sur l’artisanat traditionnel
• 1967 : ouverture de deux ateliers à Osaka et à Milan (attrait pour la culture italienne du design)
• Conception du fauteuil Wink (mélange du Japon et de l’Italie)
• Il associe son sens du design contemporain avec les techniques artisanales : lampes en papier, vaisselle en laque, en porcelaine, chaises en bambou Fauteuil Wink conçu par Kita Toshiyuki en 1980 Lampe en papier, 1971 Applique en papier, 1971 Vaisselle en laque, 1979 Kuramata Shiro (1934-1991)
• Designer dont le spectre va de l’artisanat à l’art
• Œuvre particulièrement artistique
• Il conçoit surtout des meubles, à tendance conceptuelle : qui transcendent leur fonction première
• Proportions étirées, profils ondulés
• Choix de matériaux innovants : acrylique

💡 À retenir

L’évolution du design japonais est étroitement liée aux contextes historiques et culturels majeurs, notamment la période Meiji pour la modernisation.

📅 Repères chronologiques

📊 Tableaux de Synthèse

Évolution du design japonais par périodes

⚠️ Pièges & Confusions Fréquentes

1. Confusion entre design et artisanat, qui sont distincts mais liés.
2. Mélanger l’art et le design comme étant identiques, alors qu’ils ont des objectifs différents.
3. Confondre l’utilisation du terme ishō avec le mot anglais design.
4. Supposer que le design moderne au Japon a émergé uniquement après la Seconde Guerre mondiale.
5. Confusion entre les différentes figures clés comme Kurokawa Mayori, Okakura Tenshin, et Yanagi.
6. Incompréhension de l’impact de l’Exposition universelle de 1970 sur le design japonais.
7. Confusion entre le design industriel et le design graphique.

✅ Checklist Examen

1. Comprendre la distinction entre design, artisanat et art.
2. Identifier les dates clés de l’histoire du design japonais.
3. Connaître les figures majeures comme Kurokawa Mayori, Kita Toshiyuki, Kuramata Shiro.
4. Savoir l’impact de l’Exposition universelle d’Osaka 1970.
5. Reconnaître l’évolution du design industriel à partir des années 1970.
6. Comprendre la fusion entre artisanat traditionnel et technologies modernes par Kita Toshiyuki.
7. Identifier les matériaux innovants utilisés par Kuramata Shiro.
8. Connaître l’influence de la période Meiji sur la modernisation du design.
9. Savoir comment le design a évolué en réponse aux enjeux économiques et culturels.
10. Différencier les différentes périodes historiques du Japon et leur influence sur le design.