Fiche de révision : Cinéma expérimental et abstraction

📋 Plan du Cours

1. Cinéma expérimental et visibilité
2. Avant-garde et dérèglement des conventions
3. Premières formes non domestiquées
4. Cinéma abstrait et cinépeinture
5. Eggeling et Richter
6. Matérialité affective de l’abstraction
7. Ruttmann, Fischinger et la musique visuelle
8. Expérimentations matérielles et animation abstraite
9. Fondements du cinéma pur
10. Photogénie, rythme et perception
11. Cinéma de la désorientation
12. Vision organique et matérialité du film
13. Dispositifs cinématographiques désorientants
14. Pellicule, mémoire et destruction
15. Symphonie urbaine et modernité

📅 Repères chronologiques

1. 1908L’Assassinat du duc de Guise, réalisé par André Calmettes et Charles Le Bargy, popularise la notion de « Film d’art » en rattachant le cinéma à la tradition du théâtre classique.
2. Vers 1910L’abstraction picturale cherche à libérer la peinture du sujet et de l’obligation de figurer au profit de la forme et de la couleur autonomes.
3. En 1912František Kupka expose à Paris les deux premières toiles non figuratives exposées en France, Amorpha, fugue à deux couleurs et Étude pour Amorpha, fugue à deux couleurs et pour Amorpha, chromatique chaude.
4. Dès 1921Walter Ruttmann montre publiquement Opus 1, réalisé par la superposition de milliers de peintures sur verre mises en mouvement grâce à une table d’animation.
5. 1923Le Manifeste des sept arts de Riccioto Canudo consacre le cinéma au rang de septième art.
6. 2 mai 1925Symphonie Diagonale d’Eggeling est projetée publiquement à l’UFA Filmpalast lors d’une séance de films abstraits intitulée Der absolute Film.

📖 1. Cinéma expérimental et visibilité

🔑 Notions clés & Définitions

• Cinéma expérimental : Désigne des films produits en dehors des secteurs du cinéma industriel, souvent éloignés des circuits classiques de distribution et caractérisés par des formes difficiles à classer.
• Régime de visibilité : Le régime de visibilité désigne, chez Michel Foucault dans Surveiller et punir, l’ensemble des conditions qui déterminent ce qui peut être vu, montré et pensé dans une société.

★ À maîtriser

📌 Le cinéma industriel fonctionne selon une logique représentative et narrative, tandis que le cinéma expérimental explore les potentialités formelles des outils cinématographiques en dehors des contraintes du récit et de la représentation.

Compléments

📌 Selon Pierre Sorlin, un groupe ne voit que ce qu’il peut percevoir, et le cinéma montre non pas le réel dans sa totalité mais les fragments du réel que le public accepte et reconnaît. - Sociologie du cinéma

💡 Astuce mémo

Centre industriel visible contre marge expérimentale invisible

📖 2. Avant-garde et dérèglement des conventions

🔑 Notions clés & Définitions

• Film d’avant-garde : Germaine Dulac - Rompt avec les traditions établies par un usage renouvelé de l’image et du son afin de rechercher des accords visuels et auditifs inédits.

★ À maîtriser

📌 Le cinéma d’avant-garde peut refuser, critiquer ou détourner les codes et les conventions du cinéma industriel sans être nécessairement anti-système.

Compléments

• Peter Kubelka défend un cinéma non industriel dans lequel chaque auteur utilise sa propre grammaire et demande que l’État subventionne les auteurs plutôt que les marchands.

• Le 4 février 1959, Jonas Mekas appelle à des films moins parfaits mais plus libres et à un dérèglement de tous les sens officiels du cinéma.

💡 Astuce mémo

Refus des conventions → libération des possibilités du cinéma

📖 3. Premières formes non domestiquées

🔑 Notions clés & Définitions

• Cinématographisation du corps : Dick Tomasovic, Kino-Tanz. L'art chorégraphique du cinéma - Transforme le mouvement corporel en formes plastiques rythmiques et transitoires plutôt qu’en imitation de formes naturelles.

★ À maîtriser

📌 Les premiers spectacles cinématographiques pouvaient contenir des micro-récits liés à l’enregistrement du temps sans réunir tous les paramètres de la fiction, tels que la diégèse et l’identification.

• Dans le cinéma des premiers temps, la couleur était appliquée au pinceau sur chaque photogramme par des ouvrières coloristes, avec une fonction principalement décorative et sans convention de continuité chromatique.

Compléments

• Danse serpentine de Loie Fuller a été adaptée au cinéma par Thomas Edison puis par les frères Lumière, trois ans après les premières danses serpentines de Fuller, sans que Fuller elle-même apparaisse dans ces adaptations.

💡 Astuce mémo

Une pellicule peinte où la couleur métamorphose le mouvement

📖 4. Cinéma abstrait et cinépeinture

🔑 Notions clés & Définitions

• Abstraction : Travail formel qui structure le donné par simplification, généralisation, sélection et schématisation, correspondant respectivement à l’idéation, la conceptualisation, la classification et la modélisation.
• Cinépeinture : Art dynamique et indépendant du monde des phénomènes qui utilise le cinéma pour mettre en mouvement des formes et des couleurs sans logique narrative.

📝 Points essentiels

• Les films aujourd’hui perdus de Bruno Corra et Arnaldo Ginna sont :
  • La Danse
  • Le chant du printemps
  • L’arc-en-ciel

💡 Astuce mémo

S-G-S-S : simplification, généralisation, sélection, schématisation

📖 5. Eggeling et Richter

🔑 Notions clés & Définitions

• Contrepoint visuel : Organise des lignes et des surfaces abstraites selon des correspondances rythmiques et des interactions graphiques plutôt que selon un sens figuratif donné par l’image.

★ À maîtriser

• Hans Richter réalise Rythmus 21 en 1921 à partir de rectangles et de carrés blancs se déplaçant sur un fond noir selon des rythmes déterminés.

📌 Dans Symphonie Diagonale, le noir est à la fois une pause rythmique et un espace ou une matière dynamique qui révèle, efface et module les lignes blanches.

Compléments

• La typologie d’Eggeling comprend :
  • des pics
  • des courbes
  • des hachures
  • des zébrures
  • des lacets
  • des spirales

💡 Astuce mémo

Eggeling architecte des lignes, Richter improvisateur des surfaces

📖 6. Matérialité affective de l’abstraction

🔑 Notions clés & Définitions

• Cinéma pur : Kracauer, Théorie du film - Se révolte contre le film narratif en brisant les contraintes de l’intrigue au profit d’une expérience cinématographique abstraite.

★ À maîtriser

📌 Selon Kracauer, le cinéma abstrait privilégie des éléments artificiels et géométriques, tandis que la spécificité du cinéma repose sur la capacité de la caméra à rendre visibles de vrais éléments matériels. - Théorie du film

• Dans l’abstraction, une forme en génère une autre par transformation plastique, intégration ou désintégration de la forme et modification des couleurs et des positions dans le champ.

Compléments

• Walter Ruttmann cherche à formaliser l’esprit de la musique en faisant apparaître les sous-entendus émotionnels de la musique par des images colorées en mouvement, contrairement à Eggeling et Richter qui utilisent surtout la musique comme modèle structurel du rythme.

💡 Astuce mémo

Matière filmée et mouvement → expérience haptique et émotionnelle

📖 7. Ruttmann, Fischinger et la musique visuelle

🔑 Notions clés & Définitions

• Abstraction : Principe génératif dans lequel une forme en génère une autre, selon le caractère évanescent et transitoire de formes insaisissables.
• Musique visuelle : Organise conjointement des formes, des couleurs et des mouvements dans le temps afin de produire une expérience filmique analogue à la musique sans se limiter à l’illustrer.

★ À maîtriser

• Walter Ruttmann cherche à formaliser l’esprit de la musique en passant de l’animation de formes géométriques à une musicalité filmique authentique.

Compléments

• Dans Studie n°7 (1931), Oscar Fischinger représente les pulsations rapides de la Danse hongroise n°5 de Brahms par des points aigus et des lames de rasoir, tandis que les accords doux des violons sont figurés par des vrilles remontant à la surface de l’écran.

💡 Astuce mémo

Formes en mouvement → musicalité filmique

📖 8. Expérimentations matérielles et animation abstraite

★ À maîtriser

• Pour créer du son synthétique, Norman McLaren dessine ou grave des motifs sur la bande sonore optique, ou imprime photographiquement sur celle-ci des motifs tracés sur des plaquettes.

• Mary Ellen Bute cherche à offrir aux yeux une combinaison de formes visuelles se déployant selon le développement thématique et les cadences rythmiques de la musique.

• Dans A Colour Box (1935), Len Lye synchronise suffisamment les images avec la musique pour rester en phase avec elle, sans rendre leur danse prévisible, en développant des idées visuelles en contrepoint plutôt qu’en traduisant simplement la musique.

• Dans Blinkity Blank (1955), Norman McLaren grave directement sur une pellicule noire des figures autonomes et utilise des intermittences de noir pour faire apparaître et disparaître les formes colorées.

Compléments

• Le Retour à la raison (1923) de Man Ray exploite sur pellicule le procédé de la rayographie, obtenu en interposant des objets entre un papier sensible et une source lumineuse avant fixation chimique.

• Synchromie n°4 (1937-38), premier film en couleur de Mary Ellen Bute, met en scène un triangle rouge-orangé emprisonné derrière une grille sous une étendue bleu ciel, accompagné par la Toccata et fugue en ré mineur de Bach.

💡 Astuce mémo

Synchroniser la musique sans l’illustrer

📖 9. Fondements du cinéma pur

🔑 Notions clés & Définitions

• Cinéma pur : Conception du cinéma comme art autonome, dégagé des influences littéraire, théâtrale et picturale, qui privilégie les puissances visuelles, rythmiques et plastiques de l’image.

★ À maîtriser

📌 Les cinéastes purs cherchent l’abstraction dans la réalité visible, soit en transfigurant cette réalité pour étudier des phénomènes, soit en la réorganisant pour produire une expérience poético-sensible renouvelée.

Compléments

• Dans les années 1920, les ciné-clubs, les revues spécialisées, les conférences et les salles d’avant-garde contribuent à installer durablement le cinéma comme forme artistique autonome en France.

• Dans Ballet mécanique (1924), Fernand Léger confronte en gros plan des objets, des machines, des visages et des morceaux de corps, en répétant, recadrant et manipulant les images notamment par surimpression.

💡 Astuce mémo

Scénario narratif ≠ puissance visuelle

📖 10. Photogénie, rythme et perception

🔑 Notions clés & Définitions

• Photogénie : Jean Epstein, Écrits sur le cinéma, 1925 - Tout aspect des choses, des êtres et des âmes qui accroît sa qualité morale par la reproduction cinématographique.
• Cinégraphisme : Terme forgé par Marcel L’Herbier, désignant une conception du cinéma fondée sur la prééminence de l’image et du dessin en mouvement au détriment du récit.

★ À maîtriser

• Selon Jean Epstein, le ralenti et l’accéléré détruisent le temps commun, rendent le monde fluide et permettent au film de reproduire la temporalité multitemporelle du rêve. - Écrits sur le cinéma, 1925

• Germaine Dulac défend un cinéma pur construit musicalement, dans lequel l’émotion provient de vibrations visuelles, de la longueur des images, de leurs oppositions et de leurs accords plutôt que du seul personnage.

Compléments

• Henri Chomette filme notamment :
  • des boutons
  • des billes
  • des boules de lustres
  • des perles de verre
  • des boules de jardin

💡 Astuce mémo

Ralenti et accéléré → temps du rêve

📖 11. Cinéma de la désorientation

★ À maîtriser

• Dans Motlight (1963), Stan Brakhage réalise un film sans caméra en disposant entre deux bandes de pellicule des feuilles, des brins d’herbe et des ailes de papillons brûlés par la lumière d’une lampe.

• Motlight déjoue une vision déterminée par la connaissance en faisant de la vue une expérience organique et haptique, selon laquelle voir revient à toucher. - Emmanuelle André

• Dans Wavelength (1967), Michael Snow réalise un plan-séquence constitué d’un zoom avant très lent de cinq minutes allant d’une vue grand angle d’un loft vers une photographie de vagues accrochée au mur.

Compléments

• La continuité du zoom est perturbée par plusieurs événements : les entrées et sorties de personnages, la découverte d’un homme apparemment mort, le passage du jour à la nuit, les changements de lumière, de couleur et de pellicule

📖 12. Vision organique et matérialité du film

🔑 Notions clés & Définitions

• Effet haptique : Emmanuelle André, « Motlight » - Associe la vision au toucher selon la formule « voir c’est toucher ».

📝 Points essentiels

📌 Motlight déjoue une vision balisée par la connaissance en décomposant l’insecte et la vue elle-même, de sorte que la vision est déterminée par le vivant plutôt que le vivant par un regard qui nomme et désigne les choses.

💡 Astuce mémo

Voir comme toucher, plutôt que nommer depuis un regard surplombant

📖 13. Dispositifs cinématographiques désorientants

🔑 Notions clés & Définitions

• Vision déshumanisée : Dans Wavelenght (1967), Michael Snow met en scène une vision déshumanisée au moyen d’un très long zoom avant de cinq minutes, accompagné d’un signal sinusoïdal qui s’amplifie, tandis que la caméra reste indifférente aux événements du loft.
• Mobilité absolue : Dans La région centrale (1971), la caméra fixée à un bras articulé décrit des circuits illogiques et devient un « instrument de mobilité absolue », produisant des mouvements non humains et décorporéisés.

★ À maîtriser

• Dans Wavelenght, le zoom progresse continûment tandis que des personnages entrent et sortent, qu’un homme s’effondre, qu’une femme découvre son corps, que le jour devient la nuit et que la lumière, la couleur et la pellicule se modifient.

Compléments

• Wavelenght est un plan-séquence tourné dans le loft de Michael Snow, qui passe d’une vue grand-angle de l’appartement à un plan très rapproché d’une photographie de vagues argentées accrochée au mur.

📌 La région centrale arrache le spectateur à l’espace de la perception naturelle, car il ne peut pas anticiper ni habiter l’espace exploré par le dispositif. - Antoine Gaudin, L’espace cinématographique

💡 Astuce mémo

Désolidariser la caméra du corps humain → produire une perception non humaine

📖 14. Pellicule, mémoire et destruction

★ À maîtriser

• Les techniques employées par Louise Bourque comprennent :

  • des images trouvées
  • des manipulations tactiles
  • des développements à la main
  • des manipulations à la tireuse optique
  • des processus de décomposition photochimique

• En 1996, Louise Bourque enterre dans le jardin familial les chutes 16 mm de Jolicoeur Touriste, The People in the House et Just Words, puis les déterre cinq ans plus tard après une grave maladie et découvre que la pellicule s’est décomposée sur les bords. - André Habib, « L’autoportrait et autres ruines, à propos de Self Portrait Post Mortem et Self Portrait/Auto Portrait Post Partum

📌 Dans Self Portrait Post Mortem, le visage retrouvé dans la pellicule décomposée devient à la fois une image de mort et un autoportrait de renaissance.

Compléments

📌 Going Back Home confronte une musique douce et innocente à des images de maisons ravagées par des désastres, transformant le retour à la maison en confrontation avec des blessures et un deuil inachevé.

💡 Astuce mémo

Enfouissement et décomposition → autoportrait d’une renaissance

📖 15. Symphonie urbaine et modernité

🔑 Notions clés & Définitions

• Symphonie urbaine : Kathtrin Ackermann, « Les symphonies urbaines dans le cinéma des années vingt », 2004 - Film documentaire ayant pour sujet principal le portrait d’une ville, qui en exalte le rythme pendant le déroulement d’une journée entière et adopte une écriture musicale du montage.

★ À maîtriser

• Les œuvres citées comme représentatives sont (Kathtrin Ackermann, 2004) :

  • Berlin, Symphonie d’une Grande Ville de Walther Ruttmann (1927)
  • Rien que les Heures d’Alberto Cavalcanti (1926)
  • Les Hommes le Dimanche de Robert Siodmak (1930)
  • L’Homme à la caméra de Dziga Vertov (1929)

• Manhatta, réalisé par Charles Sheeler et Paul Strand en 1922, est un emblème de la symphonie urbaine et est parfois considéré comme le premier film avant-gardiste américain.

📌 Manhatta privilégie les plongées, les panoramiques ascendants, les façades et les surfaces géométriques, réduisant la présence humaine à des foules, des ouvriers et des employés subordonnés à l’urbanisme. - Karen Lucic, Charles Sheeler and the Cult of the Machine, 1991

Compléments

📌 Le montage de Manhatta ne construit ni cohérence topographique, ni trajectoire, ni fil narratif, mais met en valeur la capacité de Manhattan à résister au regard et à devenir une pure plasticité de l’image.

💡 Astuce mémo

Ville, journée, rythme, montage musical

📊 Tableaux de synthèse

Cinéma industriel et cinéma expérimental

Conceptions du cinéma