★ À maîtriser
Charles de Habsbourg, dit Charles Quint (1500-1558), contribue à l’expansion de l’Espagne et devient empereur du Saint-Empire romain germanique en 1519.
La colonisation de l’Amérique latine apporte à la monarchie espagnole des territoires et des métaux précieux, enrichissant la métropole.
Séville est un port sur le Guadalquivir et l’un des principaux centres du commerce espagnol avec les colonies d’Amérique du Sud.
Compléments
Sous Charles Quint, la monarchie espagnole domine notamment l’Espagne, le royaume de Naples, les Pays-Bas et des territoires alors français.
La richesse et la puissance de la monarchie favorisent l’émergence d’artistes sollicités par l’aristocratie, la monarchie et l’Église.
Le commerce lié aux colonies enrichit Séville et comprend des échanges dans les deux sens, notamment l’envoi de biens de luxe et de tableaux vers l’Amérique latine.
Les écrivains qui marquent la période sont :
Conquêtes et métaux précieux → enrichissement de la monarchie et essor artistique
★ À maîtriser
La guerre de Trente Ans commence en 1618 et se termine en 1648, contribuant à fragiliser l’économie et la puissance espagnoles.
La peste et les guerres coûteuses contribuent au déclin de la monarchie des Habsbourg au milieu du XVIIe siècle.
Compléments
La présence espagnole au Portugal dure de 1580 à 1640, jusqu’à la révolte qui rétablit son autonomie comme royaume.
La monarchie espagnole soutient le camp catholique avec l’appui du Saint-Empire romain germanique et du pape, tandis que les Provinces-Unies, des États allemands protestants et la France s’y opposent.
★ À maîtriser
Francisco de Zurbarán (1598-1664), formé à Séville, s’y fixe en 1629 et y travaille pendant une grande partie de sa vie.
Les peintures espagnoles du début du XVIIe siècle sont principalement religieuses, car les commandes viennent notamment des ordres religieux, des monastères et des couvents.
Dans « La Crucifixion » de 1627, commandée par le couvent dominicain de San Pablo de Real à Séville, Zurbarán met en scène le Christ avec un fond noir, des contrastes entre le corps et le linge et un effet de relief dramatique.
Dans la Crucifixion de Vouet, la Vierge symbolise la souffrance maternelle et le ciel noir situe la scène de nuit, au moment où les saintes constatent la mort de Jésus sur le Golgotha.
Compléments
📌 Le clergé séculier comprend notamment les prêtres et les évêques qui exercent dans les églises, tandis que le clergé régulier vit en communauté dans des monastères ou des couvents.
La sobriété, le naturalisme anatomique et la proximité du Christ avec le spectateur font de « La Crucifixion » une image de dévotion centrée sur l’humanité et la souffrance du Christ.
Simon Vouet (1590-1649), peintre français et peintre de Louis XIII, réalise une Crucifixion datée de 1636-1637, conservée au MBA de Lyon et mesurant 216 × 146 cm.
La Crucifixion de Vouet associe une auréole et une théâtralité marquée.
★ À maîtriser
À Séville, les nombreuses commandes des ordres religieux valent à Francisco de Zurbaran (1598-1664) le surnom de « peintre des moines ».
Dans ses tableaux, Zurbaran évite de représenter le surnaturel de manière explicite et privilégie des images dépouillées qui invitent à la réflexion plutôt qu’à l’horreur.
Compléments
L’Apparition de l’apôtre saint Pierre à Pierre Nolasque, peinte en 1629 et conservée au Prado à Madrid, mesure 179 × 223 cm et appartient à une série commandée par un couvent de l’ordre de Notre-Dame de la Merci à Séville.
Dans l’épisode représenté par Zurbaran, l’apôtre saint Pierre aurait demandé à Pierre Nolasque de libérer la péninsule Ibérique de la domination maure.
Le Martyre de saint Sérapion, peint par Zurbaran en 1628, est conservé au Wadsworth Atheneum de Hartford et mesure 120 × 103 cm.
Selon la légende évoquée pour le tableau, Sérapion, soldat anglais entré dans l’ordre de la Merci après avoir combattu les Sarrasins lors de la reconquête, est martyrisé à Alger dans une exécution particulièrement violente.
Dans le Martyre de saint Sérapion, le visage détendu du martyr le fait paraître endormi plutôt que souffrant.
★ À maîtriser
📌 Dans L’Extase de saint François, le Caravage représente l’ange qui soutient le saint, tandis que Zurbaran montre le saint seul, à mi-corps, et laisse le spectateur comprendre sa vision à partir de l’histoire religieuse.
Compléments
Le Caravage (1571-1610) peint L’Extase de saint François vers 1594, une œuvre conservée au Wadsworth Atheneum de Hartford et mesurant 92 × 128 cm.
Dans les tableaux du Caravage décrits ici, la lumière artificielle vient du coin supérieur gauche.
L’Extase de saint François de Zurbaran, datée vers 1658-1660, est conservée à l’Alte Pinakothek de Munich et mesure 64 × 53 cm.
Dans la toile de Zurbaran, le crâne évoque la vanité et le memento mori, tandis que le regard du saint se tourne vers le ciel.
Caravage rend la vision visible par l’ange ; Zurbaran laisse le spectateur la reconstruire.
★ À maîtriser
Citrons, oranges et rose, peinte par Zurbaran en 1633, est une nature morte conservée au Norton Simon Museum de Pasadena et mesure 62 × 109 cm.
La nature morte de Zurbaran se distingue par une observation minutieuse et une grande maîtrise technique, donnant aux objets une apparence presque photographique.
Dans la nature morte de Zurbarán, la tasse d’eau transparente évoque la pureté, la fleur d’oranger l’innocence des jeunes filles, la rose l’amour divin et la Vierge Marie, et l’amertume du citron les souffrances de la vie.
Compléments
La nature morte de Zurbaran a été interprétée comme une possible représentation de la Trinité ou comme un hommage à Marie.
Dans Les cinq sens de Jacques Linard, peintre français (1597-1645), réalisé en 1638, les objets invitent le spectateur à deviner leur sens et témoignent d’un jeu de culture et de connaissances.
La représentation illusionniste des textures dans Les cinq sens de Jacques Lienard s’apparente au trompe-l’œil.
📌 Dans Les cinq sens, le plaisir associé aux sens peut aussi évoquer des conduites condamnées par la morale religieuse du XVIIe siècle, notamment les jeux d’argent suggérés par le jeu à gratter.
★ À maîtriser
Dans La Vierge enfant de Zurbarán, datée vers 1632-1633, les fleurettes évoquent la virginité et l’innocence, tandis que la tasse transparente, la fleur typique de la Vierge et le lys blanc renvoient à la pureté mariale.
Dans La Vierge enfant de Zurbarán, datée vers 1658-1660, l’enfant est représentée seule, sans décor ni attribut explicite, comme une petite fille de son époque occupée à broder.
📌 La Vierge enfant de 1632-1633 comporte des attributs et un décor angélique, tandis que celle de 1658-1660 isole l’enfant sans attribut explicite.
Compléments
Dans La Vierge enfant de Zurbarán, datée vers 1632-1633, les objets décoratifs sont choisis en fonction du sujet et peuvent servir à reconnaître le personnage représenté.
Dans la Vierge enfant de 1658-1660, le regard levé vers le ciel, les mains en position de prière et la lumière sur le visage inscrivent la figure naturaliste dans un registre religieux.
La Vierge enfant de 1632-33 est entourée d’attributs ; celle de 1658-60 est isolée, sans attribut.
★ À maîtriser
Compléments
En 1634, Zurbarán effectue son premier séjour à Madrid, où il découvre les œuvres de ses contemporains et les collections de peinture italienne de la cour.
Zurbarán est invité à décorer des résidences royales et réalise une œuvre pour le palais du Buen Retiro, à Madrid.
Dans la salle des Reines du palais du Buen Retiro, le programme décoratif devait comprendre de grandes peintures de batailles, notamment des victoires espagnoles, ainsi que des épisodes de la vie d’Hercule au-dessus des portes.
📌 Dans La Défense de Cadix, les figures de Zurbarán paraissent figées, contrairement aux attitudes plus souples du Marquis de Santa Cruz secourant Gênes assiégée d’Antonio de Pereda, peint vers 1634-1635.
Hercule et le lion de Némée de Zurbarán, peint en 1634, représente le héros nu conformément à la représentation antique des héros.
À Madrid, Zurbarán ne devient pas peintre du roi, contrairement à Velázquez, et sa peinture de conquête y est peu appréciée.
L’arrivée à Madrid ouvre à Zurbarán l’accès aux commandes royales, mais ses œuvres de bataille convainquent peu.
★ À maîtriser
Compléments
Dans Sainte Agathe de Zurbarán, peinte en 1630, la sainte porte sur un plateau ses seins qui lui ont été coupés.
Ribera part pour Naples en 1613 avec son frère et y mène une carrière qui le conduit à devenir peintre de la cour auprès d’un vice-roi.
Bien qu’il travaille à Naples, royaume alors sous domination espagnole, Ribera reste attaché à l’Espagne et sa formation valencienne évolue sous l’influence de l’Italie.
★ À maîtriser
Le Goût appartient à une série consacrée aux cinq sens, probablement réalisée pour un commanditaire espagnol; le tableau de l’Ouïe n’est connu que par des copies.
Les tableaux de la série des cinq sens sont sobres, dominés par des couleurs sombres et éclairés depuis l’angle supérieur gauche.
Compléments
Le Goût de Ribera, peint vers 1614-1616, mesure 113 × 88 cm et est conservé au Wadsworth Atheneum de Hartford.
Dans L’Odorat, vers 1615-1616, l’ail, l’oignon et la fleur évoquent des odeurs fortes et désagréables.
Dans La Vue, vers 1615-1616, une fenêtre laisse apercevoir un petit paysage et des lunettes ainsi qu’une longue-vue figurent sur la table.
Dans Le Toucher, vers 1615-1616, un personnage potentiellement aveugle touche une tête sculptée à l’antique pour la reconnaître.
★ À maîtriser
📌 L’œuvre flamande ouvre la scène sur un paysage et une abondance de représentations, tandis que les tableaux espagnols évoqués sont plus sobres et sombres.
La Jeune Gitane de Ribera, peinte en 1637 et conservée à la National Gallery de Londres, montre un personnage joyeux avec un tambourin.
Apollon écorchant Marsyas, peint par Ribera en 1637, représente le supplice de Marsyas, un satyre vaincu par Apollon lors d’un concours musical.
Compléments
L’Ouïe, peinte par Pierre Paul Rubens et Jan Brueghel l’Ancien vers 1617-1618, appartient à une série des cinq sens et se trouvait en Espagne dans les collections des Habsbourg, puis de Philippe IV.
La présence d’une femme nue dans L’Ouïe distingue l’œuvre flamande des usages espagnols, où le nu était très mal vu en raison du désir qu’il pouvait susciter, sauf notamment dans les scènes d’Adam et Ève.
Dans La Jeune Gitane, le long cou, le décolleté et la plume donnent au personnage une sensualité et un caractère fantaisiste.
La Diseuse de bonne aventure du Caravage, vers 1594-1595, montre une femme lisant les lignes de la main d’un jeune homme tandis qu’une autre personne peut profiter de la scène pour lui dérober sa bourse.
📌 Marsyas est un satyre, mi-homme mi-animal, tandis que le centaure est mi-homme mi-cheval.
★ À maîtriser
Dans la seconde partie de sa carrière, Ribera adopte une peinture plus claire, possiblement sous l’influence de Velázquez, rencontré à Naples en 1630, et de peintres italiens.
Le Songe de Jacob, peint en 1639 et conservé au Prado de Madrid, représente le patriarche biblique fils d’Isaac dans un paysage de campagne.
Le Pied-bot, peint en 1642 et conservé au Louvre, montre un jeune personnage portant un papier qui autorise à mendier et demande l’aumône pour l’amour de Dieu.
Compléments
Dans Le Songe de Jacob, de petits anges montent et descendent une échelle figurée dans les nuages, évoquant la vision de Jacob et sa communication avec le divin.
Le Pied-bot s’inscrit dans un genre pictural du XVIIe siècle représentant des personnes considérées alors comme des « erreurs de la nature ».
La première période est sombre, la seconde s’éclaircit.
★ À maîtriser
José de Ribera peint en 1631 le Portrait de Magdalena Ventura avec son mari et son enfant, une huile sur toile de 126 × 194 cm.
Le tableau représente Magdalena Ventura, atteinte d’une maladie décrite comme entraînant une hyperpilosité liée à un problème hormonal, avec son mari et son enfant.
Ribera représente Magdalena Ventura et sa famille avec humanité et respect, en soulignant sa condition de femme et de mère plutôt qu’en réduisant le sujet à une curiosité physique.
🔄 Le commentaire d’œuvre suit trois temps :
Compléments
La peinture de gueux, qui se développe notamment en Espagne, représente des personnes marginalisées ou des curiosités naturelles suscitant l’intérêt des milieux aisés.
Les personnes atteintes de handicaps ou de particularités physiques étaient parfois montrées de cour en cour pour satisfaire la curiosité du public et son intérêt pour l’origine de ces phénomènes.
Le tableau de Ribera utilise le clair-obscur et montre la misère des personnes représentées, même si leurs déplacements de cour en cour pouvaient leur assurer une vie relativement confortable.
Velázquez peint vers 1645 Le Bouffon don Sebastián de Morra, conservé au Prado, un portrait à l’huile sur toile de 106 × 81 cm représentant un bouffon atteint de nanisme.
Dans Le Bouffon don Sebastián de Morra, Velázquez donne au personnage une présence humaine et triste sans faire de sa représentation un spectacle malsain.
Curiosité de la cour, dignité des personnes représentées
★ À maîtriser
Saint Sébastien soigné par les saintes femmes de Ribera est une peinture à l’huile conservée au Bilbao MBA, de 231 × 180 cm, commandée par un membre de l’aristocratie espagnole, le marquis de Leganés, qui l’offrit au roi avant son dépôt au monastère de l’Escurial.
La composition de Saint Sébastien soigné par les saintes femmes s’organise autour d’une forme pyramidale, soulignée par les vêtements et par la lumière qui met en valeur le corps du saint au premier plan.
À l’arrière-plan de la scène, sainte Irène et sainte Lucille viennent soigner saint Sébastien, tandis que deux angelots apportent une couronne et une palme, symboles de victoire associés au martyre.
Le tableau témoigne du ténébrisme de la première période de Ribera : une lumière forte venant du haut à gauche crée un contraste marqué et intensifie les sentiments exprimés.
Compléments
Ribera est formé à Valence et part en Italie avec son frère en 1613 ; au moment de cette œuvre, il est installé en Italie depuis presque dix ans et n’a pas encore rencontré Velázquez.
Saint Sébastien, martyr des premiers temps du christianisme, a été attaché à un arbre et soumis à des tirs de flèches sans mourir ; les saintes femmes viennent ensuite le sauver et le soigner.
📌 Dans ce tableau, les personnages terrestres sont les saintes femmes et saint Sébastien, tandis que les angelots relient la scène au monde céleste.
Dans Saint Sébastien soigné par les saintes femmes, le corps souffrant du jeune saint à la peau claire souligne l’innocence et l’injustice de sa mort.
Le Martyre de saint Philippe de Ribera, peint vers 1639 et conservé au Prado, rappelle Saint Sébastien par la position du personnage aux bras attachés, mais s’en distingue par sa couleur et son fond.
★ À maîtriser
Compléments
Diego Velázquez naît à Séville en 1599 et meurt à Madrid en 1660.
Velázquez est formé à Séville auprès d’un peintre établi et épouse la fille de son maître, ce qui contribue à son ascension professionnelle.
L’Autoportrait de Velázquez, peint en 1640 et conservé au musée des Beaux-Arts de Valence, est une œuvre à l’huile sur toile de 45 × 38 cm.
L’autoportrait de Velázquez est une œuvre privée dans laquelle l’artiste se représente lui-même.
★ À maîtriser
Velázquez peint Vieille femme faisant frire des œufs en 1618, à l’âge de 19 ans, alors qu’il est encore dans l’atelier de son maître.
Vieille femme faisant frire des œufs associe le clair-obscur et le naturalisme espagnol à une scène de cuisine modeste.
Compléments
Juan Sánchez Cotán, connu pour ses natures mortes, peint Nature morte aux légumes et aux fruits en 1602-1603.
Dans Vieille femme faisant frire des œufs, une femme cuisine des œufs dans un bain d’eau posé sur un brasero.
📌 Dans Vieille femme faisant frire des œufs, les personnages ne communiquent pas par le regard, tandis que l’œuvre donne à leurs figures populaires une forte expressivité et une grande humanité.
📌 Le Christ servi par les anges dans le désert de Pacheco est décrit comme conventionnel et figé, tandis que Velázquez pousse plus loin le naturalisme et la représentation.
Pacheco, plus conventionnel, face à Velázquez, plus naturaliste
★ À maîtriser
📌 Dans Le Christ chez Marthe et Marie, la scène religieuse située à l’arrière-plan est insérée dans une scène de cuisine au premier plan.
📌 Marie symbolise la vie contemplative consacrée à Dieu, tandis que Marthe symbolise la vie active et laborieuse, également présentée comme une manière de servir Dieu.
Velázquez peint Saint Thomas vers 1619-1620.
Dans le récit représenté par Velázquez, Thomas reconnaît le Christ ressuscité en plaçant ses doigts dans la blessure de son flanc.
Compléments
La scène biblique montre Marthe reprochant à Marie de ne pas l’aider à accueillir le Christ, qui intervient pour défendre Marie.
Dans Le Christ chez Marthe et Marie, Velázquez combine nature morte, scène domestique et sujet religieux dans une composition à plusieurs espaces.
Dans Saint Thomas, le personnage tient un livre et une lance qui évoque celle du soldat romain ayant blessé le Christ.
Velázquez représente saint Thomas avec l’apparence d’un paysan ou d’un berger, en donnant peu d’indices explicites pour l’identifier.
Marthe agit, Marie contemple
★ À maîtriser
Velázquez peint La vénérable mère Jerónima de la Fuente en 1620, alors que la religieuse a 66 ans.
Le portrait de Jerónima de la Fuente insiste sur les rides, les grains de beauté et les verrues, dans une recherche de vérité picturale.
Compléments
Jerónima de la Fuente tient un crucifix et porte le costume des saintes de sainte Claire.
Religieuse missionnaire, Jerónima de la Fuente fonde un couvent aux Philippines avant de partir vers le Nouveau Monde.
Le portrait de Jerónima de la Fuente met en avant son caractère déterminé, sa foi et son courage missionnaire.
Deux approches de l’extase
| Peintre | Vision | Effet sur le spectateur |
|---|---|---|
| Caravage | L’ange soutient saint François | La vision surnaturelle est montrée directement |
| Zurbaran | Le saint est seul, à mi-corps | Le spectateur reconstruit la vision |
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1. Quelle période désigne le Siècle d’or espagnol ?
2. En 1519, quel titre Charles Quint acquiert-il, renforçant le prestige politique de la monarchie espagnole ?
Mémorisez les concepts clés de Peinture espagnole du XVIIe siècle avec 95 flashcards interactives.
Qu’est-ce que le Siècle d’or espagnol ?
Une période d’épanouissement politique, territorial, économique et artistique, du XVIe siècle au milieu du XVIIe siècle.
En quelle année Charles Quint devient-il empereur du Saint-Empire romain germanique ?
En 1519.
Qu’apporte la colonisation de l’Amérique latine à la monarchie espagnole ?
Des territoires et des métaux précieux qui enrichissent la métropole.
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